Das breite Spektrum dessen, was Gewalt bedeuten kann, reicht von subtileren Formen wie einem Schild, das darauf hinweist, dass ein kulturelles und öffentliches Erbe zum Verkauf steht – das Werk des Künstlers Leandro Erlich – bis zur Figur des in einem Militärflugzeug gekreuzigten Christus – von León Ferrari- wird in der beeindruckenden Ausstellung vereint „Argentinien. Was die Nacht dem Tag erzählt“im Pavillon für zeitgenössische Kunst von Mailand, einem 2.000 Quadratmeter großen städtischen Museum, das der Öffentlichkeit dieser kosmopolitischen Stadt ein Panorama der zeitgenössischen argentinischen Kunst mit einer Zusammenfassung des letzten halben Jahrhunderts bieten möchte.
Vielleicht, weil seit „El Matadero“ von Esteban Echeverría Gewalt ist ein grundlegendes Thema der argentinischen Literatur. Es ist nicht unangemessen, dieses Thema als Ausgangspunkt zu nehmen, um in der vom Argentinier Andrés Duprat und dem Italiener Diego Sileo kuratierten Ausstellung einen wichtigen und imposanten Abschnitt der argentinischen Kunst des letzten halben Jahrhunderts anhand von 22 Künstlern verschiedener Generationen zu zeigen des PAC, der das Set in drei Achsen strukturierte: Ironie, Wörtlichkeit und Zitat.
„Beruhigen Sie sich, beruhigen Sie sich, meine Dame. Das PAC steht nicht zum Verkauf, da es im Leben der Stadt Mailand von entscheidender Bedeutung ist“, sagte Tommaso Sacchi, Kulturminister der Stadt Mailand, diesen Montag im zentralen Raum des Museums. Er sitzt neben der Bildinstallation aus 11 großen rosafarbenen Leinwänden von Mariela Scafati bei einer Pressekonferenz vor den italienischen Medien – bei der Télam anwesend war – um die Höhepunkte dieser Ausstellung näher zu bringen.
„Die Ausstellung versucht nicht, die gesamte argentinische Kunst zu erfassen. Das wäre absurd und unmöglich“, erläutert Andrés Duprat im Gespräch mit dieser Agentur die Gruppe, die im ersten Raum mit „Westliche und christliche Zivilisation“ von León Ferrari beginnt. Der Auftakt zu einer Geschichte, die sich in den verschiedenen Räumen entfaltet und Namen wie Adriana Bustos, Ana Gallardo, Jorge Macchi, Miguel Rotschild, Alessandra Sanguinetti, Adrián Villar Rojas, Juan Sorrentino, Tomás Saraceno und Nicolás Robbio umfasst.
Auf diese Weise wird bis Februar 2024 eine endgültige Darstellung der zeitgenössischen Kunst von Albiceleste in dieser Stadt, der „Hauptstadt der Mode“, stattfinden, in deren Straßen sich die bekanntesten Haute-Couture-Marken vermehren, die jedes Jahr Millionen Touristen empfangen, die Mailand verkaufen und Inter-Trikots für jeweils 35 Euro an fast jeder Ecke und wo Sie einen Meilenstein der Kunstgeschichte, „Das letzte Abendmahl“ von Leonardo da Vinci, im Santa Convent Maria delle Grazie besichtigen können.
„Seit sieben Jahren widmen wir jährlich eine Ausstellung einem außereuropäischen Land, um es aus der Sicht der Künstler kennenzulernen. Dabei handelt es sich nicht um einen geografischen, ethnografischen oder anthropologischen Ansatz, sondern um einen politischen Blick auf die Kultur und Gesellschaft.“ dieses Landes. Land, immer durch zeitgenössische Kunst. Wir haben mit China begonnen, wir haben mit Japan und Brasilien weitergemacht, und nun ist Argentinien an der Reihe, eine Gelegenheit, seine Kultur zu präsentieren und zu fördern“, sagte Diego Sileo, der Direktor des PAC, erklärte Télam. Ein Museum, das 50.000 Besucher pro Jahr empfängt und sich in einem der künstlerischen Viertel der Stadt befindet, neben dem Museum für moderne Kunst, vor dem Museum für Naturgeschichte, in der Nähe des Planetariums und weniger als einen Kilometer entfernt vom Dom, dem größten dieser Stadt.
Ohne Zweifel, Einer der Höhepunkte der Ausstellung ist „Westliche und christliche Zivilisation“ von León Ferrari, ein Werk aus den 60er Jahren, das bei seiner Uraufführung zensiert wurde, mit dem der Argentinier aber auch in Venedig, hier im selben Land, den Goldenen Löwen gewann: „Ein Werk, das seine Gültigkeit unter Beweis stellt“, sagt Duprat bei einem Rundgang durch den Saal. Etwas abseits, aber der Eingangstür zugewandt, befindet sich die Installation „The Sweeper“ von Liliana Porter, die es gewohnt ist, kleine Figuren vor exzessiven Situationen oder Dramen zu platzieren, wie es bei dieser winzigen Kehrmaschine vor ihr der Fall ist. Die Aufgabe des Reinigens Hunderte von Objekten, darunter Geigen und Celli, die weit darüber hinausgehen, mit Anspielungen auf „Der Mann mit der Axt“, der in Malba gesehen wurde.
„Der Kehrer ist in solchen Situationen, in denen man alles vorher löschen oder von vorne beginnen möchte. Er dient mir als Metapher für Zeit, für die Dinge, die passieren. Es gibt Situationen, da gibt es jemanden, der reinigt und.“ Da ist jemand, der zerbricht. Ja „Wenn man näher kommt, findet man andere Geschichten, wie in der Realität. Es kann Dinge zeigen, die man gerne hätte oder woran man sich erinnert“, sagt Liliana Porter im Dialog mit Télam, kurz danach Amtseinführung. Außerdem sind einige historische Fotos von ihr enthalten, die sie in den 70er Jahren mit Luis Camnitzer in New York aufgenommen hat. „Es war eine Zeit, in der ich mit der Idee der Repräsentation gespielt habe“, sagt er über die Schwarz-Weiß-Bilder mit Zeichnungen auf ihren fragmentierten Gesichtern.
Am Eingang stehen auch vier Werke von Lucio Fontana, „dem umstrittenen Künstler“, schlägt Duprat lachend vor, da die Italiener ihn normalerweise als ihren eigenen präsentieren, obwohl er in der Stadt Rosario geboren wurde. „Er ist ein Schlüsselkünstler, der beide Szenen artikuliert“, fügt der argentinische Kurator hinzu. Es gibt drei Zeichnungen von ihm, die in Buenos Aires entstanden sind, wo er bereits zu proben begann, was ihm später in Italien Berühmtheit verschaffen sollte: räumliche Konzepte, mit Schnitten geschnittene Stoffe.
--Eine andere Art von Gewalt, die viel donnernder ist, ist die riesige Masse, die vorgibt, aus schwarzem Teer zu bestehen – obwohl es sich tatsächlich um ein ultraleichtes Material handelt – und sich an einer der Hauptstellen im Raum entfaltet – neben den 35 Wänden des Museums -Zoll-Fenster. Meter mal sechs- vom Künstler Eduardo Basualdo, im Einklang mit dem, was er kürzlich im Museum für Moderne Kunst in Buenos Aires ausstellte, einer einfarbigen Katastrophe aus zerquetschten Körpern. „Alle meine Arbeiten sprechen von etwas ebenso Anekdotischem wie Existenziellem, wie etwa einer Katastrophe. Eine Kraft, die jenseits Ihrer Entscheidung liegt, ob es sich um einen Vulkanausbruch oder einen Völkermord handelt, ein Mensch ist in einer Skala von Bewegungen gefangen, „Der Künstler, der das Werk speziell für diesen Raum mit Hilfe von vier ortsansässigen Kunststudenten geschaffen hat, erzählt Télam.
Schon beim Blick in den Hauptraum des Museums sieht man in der Höhe, mit Blick auf den Balkon, die „Puffs“. Graciela Sacco, eine sehr lange, dreißig Meter lange Wand voller dieser Schreie, dieser schreienden Münder, die im Jahr 1993 geboren wurden, „für den öffentlichen, vergänglichen Raum konzipiert, die jedes Mal, wenn sie in einem Raum installiert werden, und beim Vorbeigehen eine neue Bedeutung erhalten.“ Zeit. Zeit“, erzählen Saccos Kinder Marcos und Clara, die zur Premiere angereist waren, Télam. „Seit der Serie ‚Bocanada‘ sind 30 Jahre vergangen“, betonen sie und verweisen auf deren Gültigkeit.
Im Hauptraum des Museums ist beispielsweise das Stück zu finden Christina Piffer, der seine Arbeit auf Gewalt gegen indigene Völker konzentriert, anhand des Bildes von „Two Hundred Pesos Strong“, versiegelt auf einer Vitrine mit Blutpulver – einem Industrieprodukt. Ein Siebdruck mit Blutpulverschablone, der das Bild der Banknoten wiedergibt, die Mitte des 19. Jahrhunderts in Argentinien ausgegeben wurden, mit Vieh und Land: „Die Ausgabe dieser Banknoten fällt mit der Wüstenkampagne zusammen. Diese Banknoten zeigen das Ländermodell.“ Daran wurde gedacht. Die Geldscheine mit ihren Wasserzeichen, der Gewinner mit seinen Zeichen und das Land auch mit seinen Eigentumszeichen“, definiert der Künstler, der kürzlich den Lifetime Achievement Award erhielt.
Im „historischsten“ Teil der Ausstellung, neben der Aufzeichnung von „Der Parthenon der verbotenen Bücher“ von Marta Minujin -zwischen Fotografien und Videos- und die Fotoperformance von Liliana Maresca mit dem Titel „Maresca kapituliert, alles Schicksal“ – in der sie ihren Körper als Element der Kommerzialisierung in einem Jahrzehnt – den 90er Jahren, in dem alles verkäuflich war – inszeniert – ist eine kontroverse Performance angesiedelt von Alberto Greco. „Ein Delirium, ein Wahnsinn, ein respektloses Werk und gegen die Kirche“, definiert Duprat über das hier in 16 Fotos gezeigte Stück: Greco, der Schöpfer des Vivo Dito, zog sich nackt aus, küsste einen anderen Mann, stellte Jesus dar, und das ist der Grund, warum sie brachte ihn ins Gefängnis, warf ihn raus und erlaubte ihm nie wieder nach Italien einzureisen. Aber das war lange bevor er beschloss, sich das Leben zu nehmen, in jener Nacht in Barcelona, als er beschloss, das Wort „Ende“ auf seine Handfläche zu schreiben und eine Flasche Barbiturate zu schlucken.
„Gewalt“, versichert Diego Sieleo jetzt während der Pressekonferenz vor den italienischen Medien, „kann auf unterschiedliche Weise auf die argentinische Realität angewendet werden: konzeptionell, metaphorisch, radikal.“ Der Name der Performance, die heute die Ausstellung für die Öffentlichkeit öffnet, „Welt der Scheiße‘, vom Künstler Mariana Bellotto„Das ist eine Anspielung auf das, was in diesem Moment auf Argentinien zukommt“, sagte der PAC-Direktor in Anspielung auf die Ergebnisse der Stichwahl.
Es muss gesagt werden, dass die Fassade des PAC-Gebäudes als Vorläufer eines Films mit dem Schild „Zu verkaufen“ versehen ist – auf Italienisch und mit einer Kontakttelefonnummer, die nichts Geringeres als die Telefonnummer des Museums ist – Arbeit von Leandro Erlicheine ähnliche Geste wie in seiner Ausstellung „Liminal“ in Malba.
„Es ist ein Akt der Ironie, mit der Idee zu spielen, dass das kulturelle Erbe im Dienste des Immobilienmarktes steht und dass Dinge abgewickelt werden; dass ein kultureller Raum wie dieser über Nacht verloren gehen kann. Mir kommt es so vor, als wäre das ein …“ Gewalttat”, erzählt der Künstler Télam. Die Illusion entfaltet sich bereits und es wird darauf ankommen, ob jemand die Telefonnummer auf dem Plakat anruft und nach der zum Verkauf stehenden Immobilie fragt.
Dann erfolgt zwischen der Fassade und dem Eingang zum Raum die Installation von Matias Duville„Eine Art niederschlagen“, eine kraftvolle Kombination aus Natürlichkeit und Künstlichem, zwischen Stahlrohren, zerdrückt von riesigen Steinen, an deren Enden einige Pflanzenarten zufällig wachsen, und die wie die meisten seiner Werke zunächst als Zeichnung entstand Werke: „Diese Installation begann mit einigen Zeichnungen, die zwei scheinbar gegensätzliche Landschaften vereinten. Mit dem Titel der Ausstellung besteht die Verbindung von Tag und Nacht, von zwei unmischbaren Dingen und wie sie verschmolzen werden könnten“, sagt der Künstler und fügt hinzu dass seine Zeichnungen „fast Entwürfe von Katastrophen sind, Räume der Freiheit, in denen Gegensätze vermischt werden können“, führt er aus.
