Worüber spricht die kolumbianische Kunst heute?

Mit dem Tod von Fernando Botero, der sich vor ein paar Monaten ereignete, könnte man sagen, dass im Übrigen eine Sichtweise auf die Kunst, die er mit allen Mitteln verteidigte, zu Ende ging: die Gültigkeit, die auf a Stil. Für ihn wurden die großen Künstler der Geschichte immer gerade für diesen Stil anerkannt, der in ihren Werken zur Übertreibung des Volumens ihrer Charaktere, Objekte und Landschaften führte; in allem, was er malte und in seinen Skulpturen. Ihre fett – obwohl er diese Vereinfachung hasste – festigten sie seinen Stil.

Allerdings – und das war seine ewige Diskussion mit den Künstlern der Generationen, die ihm folgten – schlug die Kunst andere Richtungen ein, in denen der Stil, den er proklamierte und den jeder Künstler zu suchen vorschlug, keine relevante Diskussion mehr war. In der Welt… und hier natürlich.

In den sechziger und siebziger Jahren wurden Öffentlichkeit und Kritiker in Kolumbien mit Werken konfrontiert, bei denen die Kalligraphie das Bild ersetzte. Bernardo Salcedo (1939–2007) schuf Stillleben, in denen weder Obst noch Gemüse, sondern deren Namen in das Werk eingraviert waren. Antonio Caro (1950-2021) hat das Wort „Colombia“ in der gleichen Coca-Cola-Schriftart geschrieben, um auf unsere Identität hinzuweisen, auf die Tatsache, dass wir uns mehr mit der nordamerikanischen Kultur als mit unserer eigenen identifizieren. Feliza Bursztyn (1933-1982) schuf Skulpturen, die sich bewegten und Geräusche erzeugten. Álvaro Barrios (1945) verteilte Drucke in Zeitungen.

In den achtziger Jahren wandte sich José Alejandro Restrepo (1959) neben Künstlern, die sich mit dem zunehmend sichtbaren Problem des Drogenhandels befassten, dem Video zu und nicht mehr Leinwänden oder Papier. María Teresa Hincapié (1956-2008) nutzte ihren eigenen Körper, um Kunst nicht nur in künstlerischen Räumen, sondern auch in Vitrinen im Zentrum von Bogotá zu schaffen. Rosemberg Sandoval (1959) war für die sorgfältige Reinigung eines Straßenbewohners in einem Museum verantwortlich.

Seit dem Ende dieses Jahrzehnts und Anfang der neunziger Jahre fertigte Doris Salcedo (1958) Skulpturen mit Türen, Stühlen oder Schuhen von Vermissten, von Familien, die durch Gewalt vertrieben wurden. María Fernanda Cardoso (1963) präsentierte im wahrsten Sinne des Wortes einen Flohzirkus und Werke, die auf die Köpfe von Männern anspielten, die nach ihrer Ermordung ihren Henkern in höchster Erniedrigung der Barbarei als Fußbälle dienten. Konkrete Gewalttaten, wie der Sturm auf den Justizpalast, haben Kunstwerke entstehen lassen, die Erinnerung erzeugen wollen.

Kunst heute

Zweifellos hinterfragen Künstler weiterhin ihren Kontext. Der 32-jährige Künstler Camilo Correa wuchs im Viertel Popular 1 von Medellín auf und entdeckte inmitten der kriminellen Banden, die durch die Gegend zogen, dass das Thompson-Gewehr die Waffe war, die am häufigsten von denjenigen benutzt wurde, die es wollten ihr Gesetz durchsetzen. . Die jungen Leute, die sie trugen, grenzten das Gebiet ab: „Sie können bis hierher gehen; Von hier aus antworte ich nicht. Verbotene Straßen, von Angst durchdrungene öffentliche Räume und die Abwesenheit des Staates veranlassten Correa, ein Kunstwerk zu schaffen: eine Mauer aus diesen Waffen, hier jedoch aus Beton und pigmentiert mit rotem Eisenoxid. Eine Mauer, die den Blick auf die auf beiden Seiten Stehenden freigibt, aber offensichtlich den Durchgang versperrt. Eine Metapher für den Kontext, aber auch für so viele Orte auf der Welt, die sich der Fragilität jener Grenzen bewusst sind, in denen Gewalt vorherrscht.

So wie Correa in mehreren seiner Werke versucht hat, seine Umgebung nachzubilden, haben Dutzende Künstler, die sich in diesen 11 Jahren für die Feria del Millón beworben haben, dasselbe aus unterschiedlichen Perspektiven vorgeschlagen. Daniela Acosta fertigte eine Reihe von Zeichnungen des Klinikzimmers an, in dem sie wochenlang wegen Depressionen im Krankenhaus lag, und durchlebte jedes Element des Ortes und ihre Gesellschaft noch einmal, als sie sich selbst gegenüberstehen musste. Steefany González und Gustavo Carrillo haben während der Pandemie die Fassade ihres Hauses im Barranquilla-Viertel Los Olivos buchstäblich rot gestrichen, in Anspielung auf die Lumpen, die in den Fenstern derer auftauchten, die Hilfe brauchten. Nur war die Geste eines komplett roten Hauses, einschließlich Möbeln, Gläsern und Töpfen, eher ein Schrei nach der Aufgabe des Staates.

Harrison Tobón (40 Jahre alt) hat die Fassaden des Viertels, in dem er aufgewachsen ist, in Puente Aranda, Bogotá, sorgfältig gezeichnet; Aber auch Edward Rico (32 Jahre alt) machte sich daran, architektonische Werke mit Salz zu schaffen, unfertige Gebäude, weiße Elefanten, wie die Farbe des Salzes, das mit Unglück in Verbindung gebracht wird.

Pablo Adarme (47 Jahre alt) hat Fassaden beliebter Viertel als cremige Kuchen aus den Bäckereien des Viertels nachgebildet; während Paula Abril (26 Jahre alt) sich dem Malen ihrer Erinnerungen widmete, jener Orte und Objekte, die sie in ihre Vergangenheit führen. Städte und Landschaften waren in den letzten Jahren sehr präsent.

Jedes Jahr bewerben sich rund 1.000 Künstler für die Million Fair, ein Auswahlgremium wählt durchschnittlich 80 aus. In diesen 11 Jahren hat die Fotografie aufgrund der Nutzung von Mobiltelefonen und sozialen Netzwerken einen entscheidenden Platz eingenommen. Ziel dieser Bilder war es, stillgelegte Orte nachzubilden, architektonische Details hervorzuheben und Alltagsszenen im öffentlichen Raum darzustellen. Instagram ist unbeabsichtigt zu einer Art – manchmal – potenziell künstlerischem Fotolabor geworden.

Aber wir haben auch eine Zunahme des Zeichnens gesehen, von Künstlern, die über persönliche Beziehungen, den Einfluss – gut und schlecht – der Technologie und auch über die psychische Gesundheit sprechen. Künstler hinterfragen weiterhin die Welt, in der sie leben, Arbeitsbedingungen, Klimawandel und Ungleichheiten. Und das Erfreulichste ist, dass die Kunst „fast immer“ ihre poetische Kraft behält. Genau wie in den Neunzigerjahren machte Oscar Muñoz (1951) sein Werk Porträt, Daniela Briceño (27 Jahre) machte für Voltaje, den Kunst- und Technologieraum, in dem sie ausgestellt ist, wo sie buchstäblich ein Selbstporträt mit einem Pinsel und Wasser auf einem durch die Sonne heißen Boden machte und das dauerhaft verdunstete, um nie zu fixieren die Messe, ein Stoff mit den grauen Haaren ihrer Großmutter. Die Luft ließ dieses weiße Bild in einem völlig dunklen Raum in der Luft schweben und spielte auf den Lauf der Zeit an, auf das Leben, das kein Ende nehmen will.

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