Etwas Realeres als Kunst

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Trotz aller Versuche, die Malba unternimmt, um einen rauszuschmeißen – die Gleichgültigkeit der Barmädchen ist nur die Einleitung zum Drama des Online-Shoppings, das die gleiche Hingabe erfordert wie das Reservieren eines Fluges, nur im letzten Schritt ist es Tilda –, ich habe es geschafft Betreten Sie die Hommage an Antonio Berni, die das Mondongo-Duo im Keller des Museums ausstellt, und besichtigen Sie sie. UNDIch habe Katabasis verstanden; ein leichter Abstieg wie die Rampe, der Sie in ein heikles Slum voller Details führt Niedlich: Kreuzstichkissen, Puppen, ein Miniaturkaninchen in einem Topf. Um Zugang zur Manifestation (der Kunst, da keine andere stattfinden wird) zu erhalten, ist der Durchgang durch das Dorferlebnis zwingend erforderlich. Wenn wir mit der Armut in Dialog treten wollten, würde es ausreichen, das Museum zu verlassen, ein paar Blocks zu Fuß zu gehen und das Barrio 31 zu betreten, das sich seit Jahrzehnten hinter uns vermehrt.

Diese Ausstellung bietet einen weiteren Dialog, fast ein Drehbuch mit seiner Perfektion Storyboard bestehend aus Vignetten unserer Geschichte, die die Öffentlichkeit im Laufe der Zeit erzählt in Bewegung, als würde er einen Film drehen: Der Weg der Armen in der argentinischen Kunst. Dort, unter diesen bemalten Kartons, die durchaus ein Pol-ka-Set sein könnten, spielt nicht Esteban Lamothe einen unwiderstehlichen Galanten ohne Esses, sondern die umgekehrten Protagonisten des ersten militanten Gemäldes in der argentinischen Geschichte: Ohne Brot und ohne Arbeit (1894), von Ernesto de la Cárcova.

Mondongos Beispiel hat vier Momente. Die erste, eine Installation: das Innere eines Blechhauses, in dem sich argentinische Familien, die das Museum besuchen, niederlassen Selfies Wie in den 90er Jahren fotografierten die Familie Kirchner und viele andere mit Einweg-Kodaks im Haus von Mickey Mouse im Magic Kingdom.

Demonstration (2024), Mondongo.

Das zweite ist Bernis ursprüngliches Publikum, das Anfang der 30er Jahre verzweifelt nach Armut suchte. Das dritte, ein rundes Werk wie ein Plastilin-Brueghel, bei dem Kinder innehalten, um die Tausenden kleiner Szenen des täglichen Lebens in einer argentinischen Favela zu betrachten (auf einer Brücke, ein Gemälde von Perón 1976; in einer kleinen Straße, evangelische Echos mit einem Schild, das sagt: „Igreja Do Nazareno“). Vierte, Manifestation de Mondongo, seine Hommage an Berni, das erste Werk, das das Paar für einen sechsstelligen Betrag verkaufte. Zwischen dem ersten und dem letzten kommen weitere Werke ins Gespräch, die in der Vergangenheit Kunst zu einer verstörenden Tatsache machten.

Der Künstler und die Massen

Für Ernesto de la Cárcova, zu dessen frühem Erfolg der Verkauf einer Zeichnung an den König von Italien gehörte (Mondongo seinerseits erhielt 2003 einen Auftrag von den Königen Spaniens), bedeutete der Blick auf die Arbeiterklasse, eine Welt zu entdecken. Eine Röntgenaufnahme zeigte, dass in der ersten Skizze (hergestellt in Italien) Rauch aus den Fabrikschornsteinen kam, die man vom Fenster dieser dreiköpfigen Familie aus sehen konnte. Als der Künstler in der Panik des Jahres 1890 in Buenos Aires ankam, löschte er den Rauch und fügte die berittene Polizei hinzu, ein Zeichen für eine geschlossene Fabrik und unterdrückte Arbeiter. Es wird das einzige Gemälde mit einem sozialen Thema sein, das der Maler malen wird, bevor er sich ganz den ländlichen Landschaften zuwendet.

Wir entdecken, dass das Haus, das wir heute im Jahr 2024 betreten, der Ort ist, an dem diese hungrige Familie lebt. Fin de Siècle Es ist der Höhepunkt des ersten Moments. Was folgt, ist, auf die Straße (drinnen) zu gehen und sich der Demonstration zu nähern, die die Charaktere von Ohne Brot und ohne Arbeit Sie schauen aus dem Fenster.

De la Cárcova gesehen von Mondongo.

Berni & Bony

In dem Video, in dem Malba beworben wird, erinnert sich der Künstler Manuel Mendanha, einer von Mondongos Hälften, daran, dass Berni bei seiner Rückkehr aus Paris die Augen gebrochen waren, weil er so viele arme Menschen gesehen hatte. Die Nahaufnahme, zu der er uns zwingt, ist niederschmetternd und tragisch erhaben. Ein anderer Künstler, ein Schüler von Rosario, wollte wie er die Gesellschaft aufrütteln, und das tat er auch.

Die arbeitende Familie (1968), zwischen Körperkunst Und fertigwar das Werk, in dem Oscar Bony vorstellte Erfahrungen 68, die legendäre Di Tella-Ausstellung, nach der die Regierung von Onganía das Institut schloss. Auf einem Bahnsteig mit einem kleinen Schild (das kleine Schild war entscheidend) verbrachten ein Vater, eine Mutter und ein Sohn acht Stunden am Tag – essen, reden, rauchen, lesen – die Länge eines Arbeitstages. In schwarzen Buchstaben war zu lesen: „Luis Ricardo Rodríguez, von Beruf Werkzeugmacher, erhält das Doppelte dessen, was er in seinem Beruf verdient, dafür, dass er während der Ausstellung mit seiner Frau und seinem Sohn ausgestellt bleibt.“ Können Sie sich vorstellen, heute so etwas zu sehen? Diejenigen, die die Serie gesehen haben Bildende Kunst, sie werden lachen; die Fans von Sex and the City Sie werden sich an Carries Big Mac und das „lustig” von Aleksandr Petrovsky; Liebhaber zeitgenössischer Kunst kommen hier auf ihre Kosten Namensverlust.

Bonys Absicht war es, ihn zu konfrontieren, ihm Unbehagen zu bereiten. Er bezeichnete sich selbst einmal als „Folterer“, obwohl es eher einer emotionalen Erpressung als einer Folter gleichkommt, Erpressung auf unverschämte Weise deutlich zu machen. Es stimmt zwar, dass die Familie ihr Einverständnis zur Teilnahme gegeben hat und dass die Öffentlichkeit aus freien Stücken hereingekommen ist, aber sie wie Tiere oder als Gegenstände gegen Geld zur Schau zu stellen hieße, den Zuschauern eine gemeinsame Demütigung aufzuerlegen. „Es ist offensichtlich“, sagte Bony in den 90er-Jahren, „dass die Arbeit auf Ethik basierte, weil es mir unangenehm war, sie der Lächerlichkeit preiszugeben.“

Foto von „The Working Family“ (1968) von Oscar Bony, heute in Malba.

Welche Machtdynamiken bestehen zwischen Künstler, Teilnehmern und Betrachtern? Wie viele Looks gab es? Sie sagen, dass der Junge nicht still sitzen wollte und durch den Raum lief. Ich suchte nach Aussagen von Zuschauern, die begonnen hatten, mit den Ausgestellten zu sprechen, fand aber nichts. Scham wirkte vielleicht unsichtbar, wie ein Elektrozaun.

Indem er die Familie Rodriguez vor aller Augen ausbeutete (und ihnen sogar das Doppelte zahlte), strebte der Künstler eine echte, emanzipatorische Wirkung auf die Unterschicht an, doch es gelang ihm nur, seinen Ruhm, ob schlecht oder gut, zu steigern und zu einem bescheidenen Meilenstein der argentinischen Kunst zu werden bevor ich das Fachgebiet wechselte und Rockfotograf wurde.

Wenn die Kunst nicht die Massen erreicht – sagte sich Oscar Bony –, sollen die Massen die Kunst erreichen. Er mochte ein Ausbeuter sein, aber zumindest war er ein klassenbewusster Mensch, der einen Stanzformenbauer zur Schau gestellt hatte. Wenn die De-facto-Regierung das Di-Tella-Institut schließt, werden die Künstler auf die Straße gehen, um ihre Werke zu verbrennen; Glücklicherweise durften die Rodríguezes nach Hause zurückkehren.

Das Konzert der Staudämme

Auf der Biennale von Venedig 1972 stellte der italienische Künstler Gino De Dominicis einen jungen Mann mit Down-Syndrom aus. Der Chromosomenunterschied macht den Blickwechsel noch brutaler als der Klassenunterschied. Die weniger gewagte Dramatikerin Lola Arias knüpft mit ihrem jüngsten Werk an diese Tradition an Die Tage draußendas theatralische Korrelat des Dokumentarfilms Reas: eine Art Gefängnisendakt, in dem uns fünf Frauen und ein Transjunge in einem Musical von ihrer Konvertierung von Kriminellen mit verbüßter Strafe zu Schauspielerinnen mit Brot und Arbeit erzählen. Viele sind begeistert davon, dass Kunst ein Ort sozialer Kämpfe ist; Die bloße Vorstellung, dass es meine Pflicht ist, den Staat, die Kirche und die Grabois zu versorgen, löst bei mir ein Gefühl der Erstickung aus.

„Die Tage draußen“, von Lola Arias. Foto von Carlos Furman.

Die Leute applaudieren ständig begeistert; Eine Rede endet mit dem Wort „conurbano“ und in der Dunkelheit ertönt Applaus. Ich wünsche jedem von ihnen und ihm das Beste, aber es fällt mir schwer, zu applaudieren, wenn der Luxus einer herausragenden Technik fehlt.

Arme Materie und ästhetischer Luxus

Die Plastilin-Technik des Mondongo-Duos ist die Definition von Exzellenz in der arte povera, ein italienischer Trend aus den 60er Jahren, der die Verwendung billiger, bis zur Meisterschaft manipulierter Materialien befürwortete. Seine Erforschung des Plastilins (von dem sich der Begriff „Bildhauerei“ ableitet) ging so weit, dass er Metallpinsel erfand, die als Ölfarbe verwendet wurden. Dass sie immer wieder mit beeindruckenden Werken zurückkehren, ist ein Zeichen der Stärke gegenüber denen, die ihren kommerziellen Erfolg anerkennen, ihnen aber Prestige verweigern. Eine Verachtung, die sich nur schwer rechtfertigen lässt: Das Orangeriemuseum mit seinen Seerosen könnte die 2013 im Mamba ausgestellte Landschaft von Entre Ríos nicht in den Schatten stellen; Auch der Spiegelsaal von Versailles konnte die Miniaturversion, die die Künstler 2015 für eine Straßenaufführung anfertigten, nicht zerstören.

„Alle Künstler sind gleich. „Sie träumen davon, etwas zu tun, das sozialer, kollaborativer und realer ist als Kunst“, sagte der Künstler Dan Graham, und die Mondongos scheinen dasselbe zu sagen, wenn sie sich auf ihre Version von Kunst beziehen Manifestation wie „eine kollektive Umarmung“. In seinem Werk ist der Protagonist nicht Bernis unbekannte Menge, sondern sein eigener roter Kreis: berühmte Freunde, normale Freunde, Tochter, Großmutter. Es gibt eine Vielfalt in Alter und Beruf: Ärzte, Schriftsteller, Filmregisseure, Redakteure, Dichter und sogar Millionäre gehen auf die Straße. Doch der Luxus des Verfahrens, mit dem sie umgehen, raubt jeglichen gesellschaftlichen Diskurs. Für den faszinierten Betrachter öffnet sich ein Portal anderer Art – die ästhetische Tatsache.

Selfies mit Berni.

Als ich die Ausstellung verlasse, frage ich mich: Wenn in Bernis Werk (wie in Bonys und Cárcovas) die Armen die Protagonisten waren, welchen Platz haben sie dann, wenn im Vordergrund eine Gruppe cooler Freunde steht? Was macht diese neue Menge auf der Straße? Fragen Sie nach den Gehältern derer, denen es am schlechtesten geht, oder nach Zuschüssen und Stipendien? Diejenigen, die den Anfang des Films gesehen haben Puan Sie kennen die Diskussion: Ist Muße notwendig, um etwas schaffen zu können? unabdingbare Voraussetzung der Kunst? Und haben diejenigen, die es verstehen, ihr Leben einzuhauchen, nicht auch Förderer verdient? Während wir uns diese Fragen stellen und die Leute Fotos mit der Stadt im Hintergrund machen, bleiben die Armen draußen, das Objekt einer Arbeit, die sie nicht sehen werden, die sich um sie selbst, aber für andere dreht.

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