María Blanchard, die große Dame der Kunst trotz Kubismus und allem anderen

María Blanchard (Santander, 1881 – Paris, 1932) war eine Künstlerin mit „einem eigenen Raum“, wie José Lebrelo, Kurator der umfangreichen Retrospektive, betont. Maria Blanchard. Maler trotz Kubismusim Picasso-Museum Málaga, das bis September für die Öffentlichkeit zugänglich sein wird.

Der Kurator, der seit Jahren auch künstlerischer Leiter des oben genannten Málaga-Museums ist, weist darauf hin, dass es mehrere Gründe dafür gebe, eine Ausstellung dieser Größenordnung über María Blanchard zu veranstalten – 90 Werke der kantabrischen Autorin sind versammelt – und eines davon hat zweifellos mit „Erinnerung“ und „Aktualisierung der Realität des von ihm hinterlassenen bildnerischen Erbes“ zu tun. Die letzte großformatige Ausstellung, die dem Künstler gewidmet war, fand vor 12 Jahren im Nationalen Kunstmuseum Reina Sofía statt.

„Die Figur von María Blanchard hat heute sehr interessante Werte und Qualitäten. Sie wurde in Santander geboren und entstammte einer liberalen und kultivierten Familie. aber er verließ Spanien sehr bald und ließ sich ab 1909 in Paris nieder“, führt er aus. Der Kuratorin zufolge ist sich die Künstlerin darüber im Klaren, dass „wenn sie das sein wollte, was sie fühlte und was sie intellektuell glaubte, ihre künstlerische Karriere sein sollte, der sie sich verschrieben hatte, war Spanien nicht das Land, in dem sie dazu in der Lage wäre.“

Über diese Freiheit in Paris, die Künstler, Intellektuelle und Kulturbegeisterte aus ganz Europa und auch den Vereinigten Staaten anzieht, pflegte Gertrude Stein, eine wohlhabende Förderin von Picasso und Matisse, die 1903 nach Paris kam, zu sagen, dass sie es vorziehe, dort zu leben das französische Land, weil „die Franzosen Herr ihres eigenen Lebens sind.“ Tatsächlich waren diese Hauch frischer Pariser Luft eine wilde Anziehungskraft für viele Künstler, die ihren Platz in der Kunstwelt finden wollten. In Paris gab es ein modernes und avantgardistisches Umfeld, das der Entwicklung einer künstlerischen Karriere, die María Blanchard suchte, sehr förderlich war. Dort, in diesen Räumen, die noch immer voller Künstler sind, gekleidet in das Pariser Elend, verbindet sich die gebürtige Santandererin mit der künstlerischen Elite der Gegenwart.

Paris: ausgebürgert und ohne irgendeinem Mann zu folgen

In Bezug auf ihr Leben in Paris spielt Lebrelo auf die Konzepte von Expatriate und Alleinsein an. Zwei Ideen, die Xon de Ros, Professor an der Universität Oxford, im Ausstellungskatalog verwendet. „María Blanchard verlässt ihr Land, verzichtet in gewisser Weise auf ihre Familie und die Sicherheit der Sprache, sie verfügt nicht über viele finanzielle Mittel und außerdem geht sie nicht nach Paris, um einen anderen männlichen Künstler zu begleiten, was wir heute in Betracht ziehen würden.“ sexistisch, und das war jedoch bei anderen Künstlerinnen der gleichen Zeit üblich. Sie war nicht die Partnerin eines Künstlers, der in dieser Atmosphäre der Männlichkeit das Sagen hatte. „Sie verteidigt immer ihren Raum und widmet sich einem engagierten Pariser Leben, das sich auf die Kunst konzentriert“, betont er.

Der Galerist Guillermo de Osma erklärte auf einer Konferenz im Círculo Orellana, dass María Blanchard „stark unter ihrem Körperbau gelitten hat. Er hatte einen Buckel, eine genetische Fehlbildung, die ihn körperlich stark benachteiligte und ihn in gewisser Weise zu einem zölibatären Leben zwang, und die auch Anlass für Sarkasmus und Geflüster hinter seinem Rücken war. Er hat gelitten, und das spiegelt sich in seiner Kunst wider. Die Malerei war immer ihr Zufluchtsort und sie widmete sich ihr voll und ganz. Über dieses Bedauern und die Widerspiegelung davon in seinen Werken sagte Ramón Gómez de la Serna: „Sie hatte den Blick eines Mädchens, den flüsternden Blick eines Vogels voller trauriger Freude“; während sich der Dichter José Bergamín an sein „magisches und trauriges“ Bild erinnert.

Bei ihrer Ankunft in Paris taucht María Blanchard in die Atmosphäre von Montparnasse ein und nimmt an den Versammlungen teil Die Rotonde entweder Die Kuppel. Sofort begann er eine Beziehung zu Juan Gris oder Pablo Picasso und schrieb sich an der von Cesare Vitti in Paris gegründeten Vitti-Akademie ein, wo er gleichzeitig mit dem spanischen Modernisten Hermenegildo Anglada Camarasa als Lehrer zusammenarbeitete. „Die Frauen hatten dort ihren eigenen Raum, sie konnten ohne Probleme in dieser Werkstattumgebung arbeiten und gingen zum Unterricht“, erklärt Encina Villanueva im Zyklus von Künstlerinnen im Prado.

Dort lernt sie Angelina Beloff kennen, eine russische Künstlerin und Partnerin von Diego Rivera, die eine ihrer besten Freundinnen wird und die Kantabrierin als „eine Malerin mit großem Talent“ bezeichnet. Beloff berichtet in seinen Memoiren, dass sie mitfühlten Vom ersten Moment an: „Ich erinnere mich, dass wir einmal sogar in einem der Türme von Notre Dame einen Freundschaftspakt geschlossen haben. María erlitt als Kind einen Unfall, sie war deformiert, ihre Wirbelsäule war verbogen und sie hatte einen Buckel auf dem Rücken. Sein Kopf war bewundernswert und seine schönen Augen spiegelten große Intelligenz wider. Sein Leben in Paris war heroisch, er hatte kaum Geld, er erhielt nur eine kleine Rente durch ein Stipendium seiner Heimatstadt.

Eine Meinung, die ein Großteil seiner Zeitgenossen teilte. Rivera porträtiert sie als Buckel„Es erhob sich nur etwas mehr als einen Meter über dem Boden. Natürlich befand sich über seinem deformierten Körper ein wunderschöner Kopf. Auch seine Hände waren die schönsten, die ich je gesehen hatte.

Ein riskanter kubistischer Maler (1913-1919)

Lebrelo, eine große Bewundererin ihrer Arbeit, betont María Blanchard: „Sie war eine mutige Frau, die sich niederließ, ohne jemanden zu kennen, in einem unbekannten Land, mit wenigen wirtschaftlichen Ressourcen, aber mit sehr klaren künstlerischen Aspekten.“ Bald schloss er sich der Gruppe der radikalsten und experimentierfreudigsten Künstler an, einer kleinen Gruppe, die Dinge tat, die bis dahin noch niemand getan hatte. Dadurch wurde sie zur bedeutendsten Malerin der kubistischen Bewegung.

Bemerkenswert aus dieser Zeit sind Werke wie Die Dame mit dem Fächereine Komposition mit traditionellem Charakter, die aus überlappenden Ebenen besteht, fast wie ein Mosaik, wobei wir die Bewegung des Fächers unterscheiden, der aus nur drei trapezförmigen Formen in Gelb besteht.

Seine Art zu malen stellt die etablierte Ordnung der akademischsten Kompositionen in Frage, ein Trend, von dem er sehr weit entfernt ist, der aber in den frühen Jahren des 20. Jahrhunderts dem Geschmack der Kritiker und des spanischen Publikums entsprach. S XX. Im Jahr 1915 stellte María Blanchard in Madrid zusammen mit ihrem guten Freund Diego Rivera, der sich mit einem Stipendium der Regierung von Veracruz im Atelier von Eduardo Chicharro in Spanien aufhielt, in der von Gómez de la Serna organisierten Gruppenausstellung aus: Die kompletten Maler, das barbarische und sehr unangenehme Kritiken erhielt. „Es war das erste Mal, dass kubistische Kunst in Spanien zu sehen war, die Kritik war heftig und sehr negativ“, kommentiert De Osma auf der oben genannten Konferenz. Erst 1943 stellte María Blanchard wieder in Spanien in den Räumen der Biosca-Galerie aus.

„Ein weiteres Element, das diese Künstlerin in der Erinnerung an die Kunstgeschichte verankert, ist ihre Einzigartigkeit und das Risiko ihrer kubistischen Kompositionen“, sagt Lebrero. „Obwohl ihr das alles nicht reichte, gab sie 1920 diese Bewegung auf, die sich auf Stillleben oder aufgeladene Themen mit geringem existenziellem Gewicht konzentrierte, und machte Platz für die dritte Phase ihres Schaffens: das Figurative (1919-1932).

Kehren Sie zur menschlichen Figur zurück

„Er gewinnt die Darstellung des Menschen in seinen Gemälden zurück.“ Fairerweise muss man auch sagen, dass sich der Kubismus auf dem Markt nicht mehr gut verkaufte und nicht mehr in Mode war. Und das alles wirkt sich natürlich auch auf die künstlerische Produktion der kubistischen Künstler aus, die davon auch ihren Lebensunterhalt bestritten. Auch der wirtschaftliche Faktor, und wir sollten uns nicht scheuen, darüber zu sprechen“, kommentiert der Kommissar. Doch auch wenn das kubistische Fieber nachließ, wurden die von männlichen kubistischen Autoren signierten Werke weiterhin auf dem Markt geschätzt, weshalb skrupellose Kunsthändler ihren Namen aus den Werken von María Blanchard löschten, um den von Juan Gris zu nennen: „Das waren sie.“ einfacher zu verkaufen und einen höheren Preis zu erzielen.“

In dieser Ausstellung im Picasso-Museum Málaga Highlights Die Bologneser (1922-1923), erworben vom Prado-Museum, ein Werk, das eine Fischerin in festlicher Tracht aus der gallischen Region Boulogne darstellt. Auffallend ist die große weiße, gestärkte Mütze, die die Figur krönt und ihr Feierlichkeit und Kraft verleiht.

Aus ihrer Sicht verteidigt Lebrelo, dass „María Blanchard mit diesem neuen Weg zu einer großartigen Verteidigerin der Werte wird, die mit einer gewissen weiblichen Sensibilität verbunden sind.“ Sie, die sehr fortgeschritten war, war gerne in der Nähe mutiger Frauen wie ihr, obwohl wir nicht über die Kreise der Musik von Josephine Baker sprechen, die in den Nächten der Pariser Cafés triumphierte, oder über den Kreis der Intellektuellen und Lesben von Gertrude Stein und die amerikanische Intellektualität, sondern auch internationaler und nationaler Denker, wie im Fall von Concha Espina.

Tatsächlich gehörte eines der frühesten Werke von María Blanchard der Schriftstellerin: Nymphen fesseln Silenus (1910), Gemälde, für das er auf der Nationalen Ausstellung der Schönen Künste die Medaille zweiter Klasse erhielt. Zu diesem Werk erzählt Villanueva eine Anekdote: „María kam mit dünner und etwas verzweifelter Stimme im Haus des Schriftstellers an und sagte: ‚Conchita, ich habe dir dieses Mamotreto geschickt, damit du es im Keller aufbewahren kannst, falls es Zufall ist.‘ Du hast den Schlüssel. Wenn nicht, überlassen Sie es dem Lumpensammler.‘ Darauf antwortete La Concha Espina: „María, ich habe den Schlüssel ohne Chance, aber das Gemälde ist wunderschön und es wird nicht in den Keller gehen.“ Sag keine verrückten Dinge.‘

Das Vorhandensein von Der Kommunikant

Eines der Werke, das sich im Picasso-Museum Málaga befindet Der Kommunikant (1914), ein ganz besonderes Gemälde, das er 1914 zu malen begann und 1920 fertigstellte, das im Salon des Indépendants mit kritischem und öffentlichem Erfolg ausgestellt und vom berühmten Kunstsammler Paul Rosenberg gekauft wurde.

Auf der Leinwand ist ein Mädchen dargestellt Erstkommunion der in der Luft zu schweben scheint, neben einem Knieständer, einem Altar und einem himmlischen Teil, dargestellt durch vier Engel. „Heutzutage ist die Erstkommunion „Es scheint ein folkloristisches Thema zu sein, aber damals war es etwas sehr Wichtiges“, erklärt Lebrelo.

„Dies ist ein Mädchen, das der Pubertät und dem Erwachsensein jeden Tag näher kam. Er stellt diese kommunikative Frau als nüchtern dar und unterscheidet sich deutlich von der Offenheit anderer Darstellungen. „Wir wissen, dass Picasso auch Erstkommunionen gemalt hat, aber sie haben weder die Kraft noch die existentielle Bedeutung von María Blanchards Gemälde“, schließt die Kuratorin.

Eine Frau mit ihrem eigenen Raum

Aus persönlicher Sicht, erzählt Lebrelo, war María Blanchard offenbar „eine Frau, die in Besprechungen nicht viel sprach, sie war eine Person, die dazu neigte, mehr zuzuhören.“ Ich würde sagen, dass ihre Bilder die Sprache sind, die sie braucht, um ihren eigenen Platz zu behaupten. Es repräsentiert diese Idee von Ein Zimmer für sich, von Virginia Woolf, das Buch, in dem sie sagte, dass Frauen Platz und Geld haben sollten, um gut schreiben zu können. Das passiert auch bei Blanchard, obwohl sie ja nicht viel Geld hatte; aber das hat es eigenes Zimmer Das ist ihre Kunst, und ich würde sagen, dass dies ihre eigene Charakteristik ist. Und genau dort, in diesem Raum, entwickelt er ein Werk, das sich nicht der Mode beugt. „Sie geht ihren eigenen Weg und geht alleine.“

Sie verteidigt, dass sie „eine Frau ist, die man bewundern und anschauen kann, die Unabhängigkeit und Freiheit besitzt, in einer Zeit, in der Frauen nur Musen oder Begleiterinnen sind und dazu verwendet werden, sekundäre oder dekorative Themen zu malen.“ „Sie malt Migranten, alte Frauen oder häusliche Räume, in denen Kochen, Sticken oder die Betreuung von Kindern die Protagonisten sind.“

In ihrer letzten Phase, sagt die Kommissarin, „wird María Blanchard sehr religiös, sie möchte sogar Nonne werden, obwohl sie es am Ende nicht weiter verfolgt.“ Ich glaube jedenfalls nicht, dass diese Rückkehr zu einem schäbigen oder reaktionären Katholizismus war, sondern vielmehr eine Rückkehr zum Spirituellen und zur Intimität des Zuhauses als Raum der Stille und Besinnung. Eine Spiritualität, die typisch für eine moderne Frau ist, nicht für jemanden, der Gott in der Vergangenheit sucht.

María Blanchard starb 1932 an Tuberkulose in Paris, der französischen Stadt, die sie willkommen geheißen und vor allem verstanden hat. Ein Artikel von L’Intransigeant erwähnt die kantabrische Kunst und definiert sie als „kraftvoll, aus leidenschaftlicher Liebe zum Beruf entstanden, eine der authentischsten und bedeutendsten ihrer Zeit“.

@MaríaVillardón