Iñaki Rikarte, der Theaterregisseur, der alles in Gold verwandelt | Kultur

Der Name Iñaki Rikarte ist in der spanischen Theaterwelt in aller Munde. Alles, was er inszeniert, wird zu Gold, seine Werke begeistern sowohl das Publikum als auch die Kritiker und er gewinnt in dieser Saison die wichtigsten Preise der Branche. Bei den kürzlich von der Academy of Performing Arts verliehenen Talía Awards wurde er zum besten Regisseur gekürt für immer, eine bewegende, wortlose Maskenshow der Kulunka-Truppe. Beim Kritikerpreis Godot, Madrid, der von der gleichnamigen Zeitschrift organisiert wurde, erhielt er die gleiche Auszeichnung für Das Monster der Gärten, von Calderón de la Barca, das vor drei Monaten mit der National Classical Theatre Company (CNTC) uraufgeführt wurde. Am nächsten Montag könnte er aber auch zwei Max-Preise entgegennehmen, Benchmark-Auszeichnungen der nationalen Szene, die auf Teneriffa verliehen werden: beste Regie und beste theatralische Co-Autorschaft für Für immer. Sie würden sich demjenigen anschließen, der 2023 gewonnen hat Übernatürlich, eine überraschende Produktion des National Dramatic Center (CDN) über das Sexualleben von Menschen mit Behinderungen.

Das alles ist in den letzten zwei Jahren explodiert, aber Rikarte steht seit mehr als zwei Jahrzehnten auf der Bühne. Vor 43 Jahren in Vitoria geboren, begann er als Schauspieler in Stücken des CDN, des CNTC oder der baskischen Kompanie Tattaka zu arbeiten. Parallel dazu startete er als Regisseur in verschiedenen Gruppen in Euskadi, hauptsächlich in Kulunka. Im Jahr 2020 war er Finalist für den Max-Preis für die beste Regie Verachtung mit Verachtung, von Lope de Vega, in einer weiteren CNTC-Produktion. Seitdem hat er nicht aufgehört: Vier völlig unterschiedliche und erfolgreiche Produktionen in vier Jahren. Hat er das Erfolgsrezept gefunden? Der oben Genannte lächelt: „Es gibt kein Rezept. Jede Show erfordert einen anderen Prozess und ich kann nicht garantieren, dass die nächste funktioniert. Aber vielleicht gibt es etwas, das ich allen gemeinsam vorschlage: dass die Öffentlichkeit es versteht und es genießt.“

Wir sind im Comedy-Theater in Madrid, dem Sitz des CNTC, wo seine Inszenierung stattfindet Das Monster der Gärten. Die Aufführungen sind bereits beendet, es wird jedoch vom 19. bis 28. Juli beim Almagro Festival wiederbelebt. Es handelt sich um eine mythologische Komödie von Calderón de la Barca, die aufgrund ihres Anachronismus und ihrer Schwierigkeit spärlich dargestellt wird: Götter, Nymphen, Orakel, der Held Achilles und der Trojanische Krieg im Hintergrund. All dies in Versen aus dem Goldenen Zeitalter. Wie fesselt man das Publikum des 21. Jahrhunderts mit diesen Zutaten? „Realismus funktioniert bei den Klassikern nicht, vor allem weil die Charaktere nicht normal sprechen. Man kann also nicht versuchen, etwas Alltägliches zu etwas zu machen, das nicht alltäglich ist, man muss einen Code finden, damit diese Worte in der Aufführung glaubwürdig sind. Das meine ich, wenn ich sage, dass ich möchte, dass der Betrachter es versteht“, antwortet Rikarte.

Er fand den Code, nachdem er viele Male über die Frage nachgedacht hatte: Worum geht es in dieser Arbeit wirklich? „Es ist die Geschichte der Zwangsrekrutierung. Achilleus ist verliebt und will nicht in den Krieg ziehen, doch die Staatsgewalt agiert so, dass er dem nicht ausweichen kann. Sie manipulieren es. Er könnte ein junger Russe sein, der in einem Dorf lebt, an dem der Armeebus vorbeifährt und ihn abholt. Oder ein Ukrainer, ein Israeli, ein Palästinenser. „Das Ziel ist der Staat“, überlegt der Regisseur.

In seiner Inszenierung spielt Rikarte nicht auf einen der aktuellen Kriege an, sondern spielt mit der spanischen Fantasie, um die Bühne in einen metaphorischen Raum mit leicht identifizierbaren Zeichen zu verwandeln: Legionäre, Zivilgardisten, Prozessionen und Jungfrauen, die wie zeitgenössische Orakel wirken. Eine Party, in der nichts umsonst ist, weil von der ersten Minute an alle Konventionen der Realität gesprengt werden. „Wenn Calderón seinen Umhang mit dem Mythos zu einem Gewand gemacht hat, warum machen wir das dann nicht? Dafür sind Mythen da: Damit wir sie rekonstruieren und daraus erklären können, wer wir heute sind“, fasst Rikarte zusammen. Die Geschichte des westlichen Theaters ist die Geschichte ewiger Neuschreibung.

Er stand vor der gleichen Frage Übernatürlich, die Show, für die er letztes Jahr den Max gewann. Das von Esther F. Carrodeguas geschriebene Werk ist eine Abfolge von Geschichten, die von einer Figur miteinander verflochten sind, die Menschen mit funktioneller Vielfalt sexuelle Hilfe anbietet, mit einer gemischten Besetzung aus Schauspielern mit und ohne Behinderung. „Ich war verloren, es war eine mir völlig unbekannte Welt und der Text ist brutal, ohne Tabus. Bis ich eines Tages den Schlüssel fand, als ich mit meinem Sohn zusah, wie einige Gärtner in einem Pavillon in Madrid arbeiteten. Unter ihnen waren Menschen mit Behinderungen und es schien ein idyllisches Bild der Integration zu sein: blauer Himmel, diese Menschen, die Blumen pflanzten, alle in Uniform. Aber plötzlich dachte ich: Ist es wirklich idyllisch?“ erinnert sich Rikarte. Die szenische Übersetzung dieser Frage lautete: Ein perfekt gepflegter französischer Garten erhebt sich, verschwindet und unten bleibt ein behinderter Junge, der auf einem Bett masturbiert.

Vielleicht ist das Rikartes Geheimformel: seine Fähigkeit, die Essenz einer Szene in einem Bild zu verdichten, das direkt mit der zeitgenössischen Sensibilität in Verbindung steht. Oder vielleicht hat er diese Fähigkeit in seiner langjährigen Arbeit bei der auf Maskentheater ohne Worte spezialisierten Kompanie Kulunka entwickelt. Es bleibt nichts anderes übrig, als sich auf die Bildsprache zu verlassen. „Sie sehen zum Beispiel eine Mutter, die ihrem Sohn Fotos zeigt, die sie aus einer Blechdose holt, und Sie verstehen, dass sie ihm etwas über ihre Geschichte erzählt. Auch wenn die Charaktere nicht sprechen oder Sie nicht gut verstehen, was Calderóns Verse sagen. „Die Situation ist das Herzstück des Theaters“, verkündet er.

Mit Kulunka, 2010 von Garbiñe Insausti und José Dault gegründet, führte er noch im selben Jahr Regie André und Dorine, ein älteres Ehepaar, das in Apathie und dann an Alzheimer verfällt. Die Show war kathartisch und gefiel so gut, dass sie immer noch auf der ganzen Welt aufgeführt wird: Sie wurde bereits in 30 Ländern aufgeführt. Dann würden sie kommen Quitamiedos, Solitudes, Edith Piaf, Hegoak und Forever.

Bleibt noch eine Frage, die bisher schwierigste: Wie schafft man es, Publikum und Kritiker gleichzeitig zufrieden zu stellen? Rikarte zuckt mit den Schultern und antwortet mit einer weiteren Frage: „Ist Kritik nicht auch öffentlich?“ Aber er weicht dem Thema nicht aus: „Ich betrachte mich nicht als Avantgarde-Regisseur in dem Sinne, dass mein Ziel nicht darin besteht, mit Innovationen zu experimentieren oder zu überraschen. Aber ich verwende in jeder Show zeitgenössische Bühnensprachen und alles, was mir helfen kann. Vielleicht kommt es einfach darauf an, sie sinnvoll einzusetzen.“