Ikone des Swinging London in den 60er Jahren, eine Referenz für das fanatischste Autorenkino ein Jahrzehnt später, Die britische Schauspielerin Charlotte Rampling Während seiner Karriere, in der er im Jahr 2024 seinen sechzigsten Geburtstag feiern wird, hat er nie aufgehört, auf der großen Leinwand aufzutreten. Von einem kleinen Auftritt als Tänzerin Abenddämmerung eines anstrengenden Tages (1964), das berühmte und anmutige filmische Vehikel der Beatles, in dem er bestimmte Rollen durchlief Der Untergang der Götter (1969) von Luchino Visconti und vor allem Nachtportier (1974) von Liliana Cavani bis hin zu neueren Rollen in Spielfilmen von François Ozon (Der Pool), Lars von Trier (Melancholie) und Paul Verhoeven (Benedetta) ist Ramplings stets kraftvolle und oft mysteriöse und zweideutige Präsenz ein Anziehungspunkt für Filmemacher mit den unterschiedlichsten Hintergründen und Sensibilitäten. In den letzten Jahren ist die Schauspielerin einem Stil treu geblieben, der nie in einem einzigen Produktionsformat verankert war 1946 in Essex geboren Er beteiligte sich an großen Produktionen wie dem Diptychon Düneunter der Regie des Kanadiers Denis Villeneuve, und Independent-Filme wie Die Matriarchinvom Neuseeländer Matthew J. Saville, ein Film, der an diesem Donnerstag, dem 4. Juli, seine lokale kommerzielle Premiere feiert.
In Die MatriarchinRampling spielt eine britische Frau in den Siebzigern, die nach einem Unfall, der sie vorübergehend an den Rollstuhl gefesselt hat, nach Neuseeland reist, um Zeit mit ihrem Sohn zu verbringen, zu dem sie nicht die besten Beziehungen hat 18-jähriger Enkel, den er nicht im Geringsten kennt. Die angespannte und sogar gewalttätige Beziehung zwischen Ruth – einer ehemaligen Kriegsfotografin, die jetzt ihre Tage damit verbringt, reduzierten Gin mit Wasser und Zitrone zu trinken – und dem Teenager Sam (George Ferrier), dessen Trauer nach dem Tod seiner Mutter weiterhin sein Leben prägt, ist Der Ausgangspunkt eines Films, der vertrauten Pfaden folgt, allerdings mit einer für diese Art von Geschichten nicht allzu häufigen Bescheidenheit und einem besonderen Sinn für Humor. Vor dem Ortstitel Die Matriarchindas das Original ersetzt Wacholder („Wacholder“ auf Englisch), Rampling reagiert gut. “Also, Wacholder Es ist ein seltsamer Titel, der einer Erklärung bedarf. ich denke, dass Die Matriarchin Es ist auch gut.
Jenseits des Seins basierend auf realen Erfahrungen des Filmemachers Matthew J. Savilledie Rolle der Ruth scheint wie maßgeschneidert für Charlotte Rampling zu sein, deren Filmografie durchkreuzt ist starke Charaktere, manchmal eisig und manchmal leidenschaftlich, eine persönliche Stilmarke, die die Schauspielerin während ihrer gesamten Karriere zu pflegen wusste. Während eines exklusiven Telefongesprächs mit Seite 12 aus Paris, wo sie seit langem lebt, die Protagonistin von Max, Mon Amour Antworten mit eine Freundlichkeit und ein Sinn für Humor, die das Gegenteil seines Charakters zu sein scheinen. „Ich habe das Drehbuch wie üblich über meinen Agenten erhalten und fand die Geschichte einfach und wirklich schön, obwohl die Großmutterfigur etwas älter war als ich, etwa zehn Jahre älter. Ich dachte, dass dieses Detail und ein paar andere Dinge ein wenig Arbeit erfordern, also habe ich Matthew kontaktiert und gefragt, ob er bereit wäre, darüber zu sprechen. Lassen Sie uns ein wenig über den Charakter sprechen. Die Wahrheit ist, dass ich nicht wusste, ob das Teil seiner Idee war, aber er sagte sofort Ja und reiste mit seinem Produzenten aus Neuseeland an, um uns zu treffen. Es waren drei Arbeitstage, eine wunderbare Erfahrung. Es war auch eine Möglichkeit, Matthew besser kennenzulernen. Eine der großen Veränderungen bestand darin, dass der Charakter von etwa 80 auf etwa 70 Jahre alt wurde. Es schien angemessener, ihn zu spielen, wenn das Alter damals näher an meinem lag.
-War das Alter die einzige Veränderung oder gab es andere Variationen im Charakter?
-Wir haben den Charakter ziemlich verändert, seine Art zu sein, einige Dialoge. Ich stelle mir vor, dass es für einen jungen Mann wie Matthew, der etwa 40 Jahre alt ist, nicht einfach sein dürfte, sich vorzustellen, wie eine ältere Frau auf Umstände wie die reagieren würde, die Ruths Figur durchmacht. Es ist wirklich gut, wenn solche Kooperationen mit einem Regisseur stattfinden, insbesondere mit einem jungen Regisseur. Es war sehr befriedigend, auf diese Weise arbeiten zu dürfen. Ich liebe das Schreiben und habe nie damit aufgehört, es ist also ein Bereich, mit dem ich mich sehr verbunden fühle.
-An einem bestimmten Punkt in der Geschichte fragt Sam Ruth, was sie von Neuseeland hält. Könnten Sie die gleiche Frage beantworten, obwohl Sie wissen, dass Ihre Beziehung zu diesem Land nicht neu ist?
-Das ist wahr. Vor dem Filmen Die Matriarchin Er war dreimal nach Neuseeland gereist. Mein erster Mann wurde dort geboren und mein Sohn Barnaby, jetzt in seinen Fünfzigern, ist halb Neuseeländer. In diesem Sinne muss ich sagen, dass im Zusammenhang mit der Idee der Familie etwas Gutes passiert ist. Ich meine, die Geschichte des Films handelt von einer Familie und die Rückkehr dorthin fühlte sich auch irgendwie vertraut an. Das Team bestand ausschließlich aus Neuseeländern, die einzige Ausnahme war ich.
-Wie war die schauspielerische Zusammenarbeit mit dem jungen Schauspieler George Ferrier? Damit die Geschichte funktioniert, war es wichtig, dass zwischen den Charakteren und natürlich auch den Darstellern eine gewisse Chemie herrschte.
-Das ist etwas Übliches: Die Besetzung eines Films ist wirklich sehr wichtig, obwohl man nie weiß, ob die Chemie zwischen den Charakteren stimmt. Manchmal passiert es nicht und das ist immer eine Enttäuschung, aber ich denke, das ist in Ordnung Die Matriarchin es hat sehr gut funktioniert. Vor den Dreharbeiten haben wir mit George telefoniert und er hat mir sogar einige Briefe geschrieben. Er war sehr flexibel und hatte großes Interesse daran, sich durch eine Figur wie diese als Schauspieler weiterzuentwickeln. Ich denke, es war eine schöne Erfahrung für ihn und mich.
-Eines der wichtigsten Elemente bei der Gestaltung des Tons des Films ist die Vermeidung übermäßiger Emotionalität. Etwas, das in Filmen über ältere Erwachsene, ihre Familien und die Nähe des Todes, die oft an Sentimentalität grenzen oder ganz darin verfallen, normalerweise nicht zu spüren ist.
-Ich weiß, ich weiß, ich weiß. Genau. Das hat mir von Anfang an am Drehbuch gefallen: dass es die Emotionen nicht in den Vordergrund stellt, sondern einen am Ende hinführt.
-Es gibt eine frühe und völlig unerwartete Szene, die einen Drink und einen gezielten Schlag beinhaltet und auf einen besonderen Sinn für Humor hinweist.
-Ja ja (Lachen). Das ist der Charakter. Ruth ist wirklich eine herausfordernde Person, wie es auch im wirklichen Leben passieren kann. Es ist eine Art, dem Enkelkind zu sagen: „Wie willst du lernen, mich mir gegenüber zu benehmen?“ Zunächst ärgern sich die beiden Charaktere übereinander; Sie kennen sich nicht im Geringsten. Tatsächlich ist es der erste echte Kontakt zwischen den beiden, zwischen diesem 18-jährigen jungen Mann und seiner 70-jährigen Großmutter. Das Drehbuch zeigte deutlich, dass Sam vor Ruth stehen musste; Das ist der Ausgangspunkt. Es sind Charaktere, die aus dem Herzen, aus dem Bauch heraus handeln. Gleichzeitig gibt es etwas Minimalistisches in der Herangehensweise an die Geschichte, vom Drehbuch und von der Inszenierung her. In diesem Sinne war es sehr wichtig, dass wir den Film chronologisch drehen konnten, da wir im Wesentlichen einen einzigen Ort haben – das Haus, in dem die Geschichte spielt. Dadurch konnten die Veränderungen in den Charakteren und der Beziehung zwischen ihnen auf viel natürlichere Weise erfolgen; dieses ärgerliche Ding am Anfang und wie es sich im Laufe der Tage und Wochen verändert.
-War es ein umfangreiches Shooting?
-Die Dreharbeiten zu Independent-Filmen werden immer kürzer, in diesem Fall waren es insgesamt aber acht Wochen, was heutzutage ziemlich viel ist. Bei Serien passiert das Gegenteil: Sie werden immer schneller und schneller.
-Haben Sie Interesse an abwechselnden Kleinfilmen wie z.B Die Matriarchin mit Blockbustern wie Düne?
-Das ist ein interessantes Thema, weil ein Film wie Düne zieht viele junge Zuschauer an. Und es ist ein wirklich großartiger Film, aber gleichzeitig hat er eine philosophische Komponente, die über die Konfrontationen und Schlachten hinausgeht. Denis Villeneuve hat ein poetisches Gespür, wenn es um die Herangehensweise an Filme mit großem Budget geht. Über das Spektakel hinaus gibt es immer etwas Intimes. Persönlich denke ich, dass es eine gute Möglichkeit ist, ein neues Massenpublikum zu erreichen, das mich vorher nicht als Schauspielerin kannte. Es kamen immer wieder Leute auf mich zu und erzählten mir, dass sie daran interessiert seien, andere Filme zu sehen, in denen ich mitgewirkt habe. Für einen jungen Zuschauer ist das gut, denn es kann ihm eine Art Kino näher bringen, das er noch nicht kannte, und nicht einfach bei dem bleiben, was wöchentlich erscheint. Mit anderen Worten: Gehen Sie ein wenig weg von kommerziellen Massenveröffentlichungen und nähern Sie sich mehr dem Autorenkino. Entdecken Sie neue Arten des Sehens, des Fühlens und der Übertragung von Emotionen durch das Kino.
-Das erste Adaptionsprojekt von DüneDer nie realisierte Film wurde von Alejandro Jodorowsky inszeniert und er sollte dort eine wichtige Rolle spielen. Schließlich gelang es ihm, an einer anderen Version teilzunehmen, allerdings mehrere Jahrzehnte später.
-Ich schätze, es sollte passieren: Endlich durfte ich eine Rolle spielen Düne! (Lachen) Auch wenn es das einer älteren Frau war. Ich habe immer gedacht, dass es ein sehr kraftvolles Buch ist, seit ich es in den 1970er Jahren gelesen habe.
– Neben den Filmemachern, die normalerweise bei der Beschreibung seiner Karriere genannt werden, wie Luchino Visconti und Liliana Cavani, hat er mit Filmemachern aus der ganzen Welt zusammengearbeitet, die sich sehr voneinander unterscheiden. Verstehen Sie, dass dies etwas Wesentliches ist?
-Ja, ja, ich arbeite mit sehr unterschiedlichen Menschen und mit unterschiedlichem Hintergrund. Das hat mich schon immer interessiert: andere Länder, andere Kulturen, andere Philosophien. Im Grunde ist es das, was mich am Kino schon immer interessiert hat, nämlich dass es darum geht, verschiedene Lebensweisen auszuprobieren.
-Was hat sich in der Welt des Kinos zum Guten und Schlechten verändert, seit Sie mit der Schauspielerei angefangen haben?
– Das Wichtigste ist, wie ich bereits sagte, die Zeit. Vorher hatten wir viel mehr Zeit. Jetzt werden Filme schneller gemacht, obwohl es auch solche Fälle gibt Die Matriarchin, wo es nicht nötig war zu rennen. Es gibt jedoch etwas Positives daran, das mit dem Aufkommen der Digitalisierung begann, was alles schneller macht. Es ist auch möglich, viel mehr Material zu filmen. Aber streng genommen denke ich, dass sich nichts Wesentliches zu sehr geändert hat. Ich meine, nichts Relevantes ist aus dem kreativen Prozess verschwunden. Das Einzige, was ich glaube, ist, dass Filme mit analoger Unterstützung schöner sind als digitale. Durch verschiedene Verfahren ist es möglich, digitales Material einem Film ähneln zu lassen, aber es ist nicht dasselbe. Vielleicht hat das Fehlen des 35-mm-Objektivs auch etwas Nostalgisches. Und diese riesigen, schweren Kameras und die großen Lichter. Es ist jetzt möglich, einen Film mit einer winzigen Kamera oder sogar einem Telefon zu machen. Am Ergebnis ändert das letztlich aber nicht allzu viel: den Film selbst. Es gibt immer noch Menschen, die wissen, wie man mit filmischen Mitteln eine Geschichte erzählt und die emotionalen Fasern des Betrachters berührt. Glücklicherweise gibt es immer noch Leute, die großartige Filme machen.
Bevor sie sich verabschiedet, verabschiedet sich Charlotte Rampling, wahre Matriarchin des internationalen Kinos, mit einer Nachricht: „Ich bin sehr froh, dieses und jenes Gespräch geführt zu haben Die Matriarchin wird endlich in Argentinien veröffentlicht. Es ist ein Film, den es schon seit ein paar Jahren gibt, aber besser spät als nie. Ich habe Familie in Argentinien und hoffe, dass es ihnen viel Spaß macht.“
