Was war die Herausforderung für das Buenos Aires Philharmonic Orchestra im Colón, mit drei Premieren hintereinander an einem einzigen Abend?

Das Buenos Aires Philharmonic Orchestraunter der Leitung von Pablo Druker, bot drei Premieren im Teatro Colón für den Ciclo Colón Contemporáneo an und ging als Sieger aus der Herausforderung hervor. Das Konzert war gewidmet Guillermo Opitz, Lehrer am Höheren Kunstinstitut des Teatro Colón, ist kürzlich verstorben.

Obwohl die Sprachen der Werke, aus denen gehört wurde Unsuk Chin, Thomas Adès und John Adams sind sehr unterschiedlichalle verbindet den Dialog mit der Vergangenheit.

Harmonielehre (1984-1985/rev, 2024) von Adams, das im zweiten Teil des Programms zu hören war, Es war das zentrale Werk des Abends. Der erste Hinweis auf die Tradition erscheint im Titel mit seiner Anspielung auf Arnold Schönbergs 1911 erschienene Abhandlung über die Harmonie. Und, zuObwohl das Wort Symphonie im Titel nicht vorkommt, kommt es einer minimalistischen Symphonie sehr nahe..

In seinen drei Sätzen fand Adams nicht nur seine unverwechselbare Stimme innerhalb des von Steve Reich und Philip Glass vorgeschlagenen Minimalismus, sondern auch Er erprobte einen innovativen symphonischen Gedanken zwischen gesättigter minimalistischer Klangfülle und einer Art expressivem und rhetorischem Maximalismus. der Spätromantik, insbesondere Wagner und Sibelius.

Minimalistische Werke werden im Allgemeinen mit dem Klang von Ensembles in verschiedenen Formaten erklingen. Vielleicht war das so das erste Erlebnis, bei dem ein traditionelles Orchester dem Publikum einen minimalistischen symphonischen Klang nahebrachtedurch ein symbolträchtiges Werk, das eine bedeutende Form des symphonischen Denkens am Ende des 20. Jahrhunderts darstellt.

Pablo Druker führte an diesem Samstag Regie im Contemporary Columbus Cycle. Foto: Arnaldo Colombaroli

Adams’ Emotionalität

Die Mischung aus Tradition und Innovation des amerikanischen Komponisten klang überzeugend, obwohl sie in gewisser Weise die Qualität eines historischen Dokuments beibehält. Das Werk beginnt mit sich intensiv wiederholenden Akkorden, bis die Streicher eine Reihe sehr ausdrucksstarker Melodien entfalten. und schließt dann mit einer Variante der Anfangsakkorde.

Im zweiten Satz entfaltet sich Adams‘ emotionale Faser noch umfassender (Die Anfortas-Wunde) mit deutlichen Bezügen zu Wagner, dem Sibelius’ Vierte Symphonie und das Adagio aus Mahlers Zehnter Symphonie. Auf den düsteren Harmonien, die in einem minimalistischen Rhythmus reiten, Der Trompetersolist Fernando Ciancio lieferte eine herausragende Leistung ab.

Die ätherische Musik, die den dritten Satz eröffnet – mit dem faszinierenden Titel Meister Eckhardt und Quackie – ist inspiriert von einem Traum, den Adams‘ Tochter hatte, als sie klein war und sie sah sich selbst auf dem Rücken von Meister Eckhardt, einem fliegenden mittelalterlichen Theologen, durch den Kosmos rennen. Von einem süßen Schlaflied geht der Komponist zu einer Apotheose kolossaler Klangenergie über..

Der brasilianische Geiger Alejandro Aldana. Foto: Arnaldo Colombaroli

Unter der Leitung von Druker gelang es dem Orchester, bringt Adams’ emotionale Suche an die Oberfläche unter der unerbittlichen rhythmischen Wiederholung. Der Dirigent betonte gekonnt die großen dynamischen Bandbreiten im gesamten Werk und auch die rhythmische Lebendigkeit mit pulsierenden Phrasen im Eröffnungs- und Schlusssatz.

Die von Adès vorgeschlagene Reise in die Vergangenheit

Der Höhepunkt des ersten Teils war das Konzert für Violine und Orchester mit dem Untertitel „Concentric Path“. (2005), von Thomas Adès. Der Schwerpunkt auf der Vergangenheit des britischen Komponisten liegt auf dem Concertante, das die breitere Geschichte des Konzerts abdeckt, von barocken Formen bis zum Violinkonzert von György Ligeti.

Die Materialien des Werks stehen im Dialog mit dieser Vergangenheit, auch wenn der Solist wenig mit der Rolle zu tun hat, die er in der Tradition innehatte: Seine Teilnahme wird von der Idee einer Interaktion geleitet, die sich im Kreis fortsetzt, spiralförmig und flüchtig ist. Die Violine navigiert im Werk zwischen Schwerelosigkeit und Körperlichkeit.

Der Satz für den Solisten im ersten Satz (Rings) hat etwas Unangenehmes. Es ist eine Stimme unter vielen im Gefüge mehrerer Teile. Der brasilianische Geiger Alejandro Aldana Er demonstrierte großes Können und technische Meisterschaft, doch im Eröffnungssatz war der Klang seiner mühsamen Bewegungen nicht zu projizieren, als hätte das Orchester ihn buchstäblich in einem Klangstrudel verschluckt. Der Klang des Solisten entwickelte sich von Zeit zu Zeit und erkundete die Extreme des Registers des Instruments.

Der Schwerpunkt des Stücks ist der zentrale Satz, Path, der umfangreichste. Es handelt sich um eine großartige Struktur aus sich wiederholenden Mustern, die unter einer Chaconne strukturiert sind, wobei der Geiger mit seinen Pizzicato-Noten ein weiterer Teilnehmer ist und dann in tiefe Orchesterklänge übergeht. Als der Orchesterklang verstummte, erklang ein fesselndes Thema auf der Violineund in der Stimme des Solisten entstanden attraktive Texturen.

In Rundender spiralförmige Schlusssatz, der mit Pauken, Schlagzeug, Streichern und Blechbläsern beginnt, Aldana hatte die Gelegenheit, einen konventionelleren Cantabile-Sound mit einer Melodie einzusetzen, die über der rhythmischen Energie des Orchesters schwebt.. Adès’ unermüdliche Intensität beendete den ersten Teil des Konzerts, das mit begonnen hatte Frontispiz (2019) von Unsuk Chin, aus derselben Generation wie der britische Komponist.

Von Südkorea nach Columbus

Das Werk des südkoreanischen Komponisten ist eine Art gestische Modulation durch eine Reihe symphonischer Werke Schlüssel aus verschiedenen Epochen, vom Barock bis zum 20. Jahrhundert.

Aufgrund der Kürze seiner Dauer – fast acht Minuten – Es werden Aromen von Strauss, Skrjabin und Strawinsky wahrgenommen, die miteinander kollidieren. Auf seiner historischen Reise durch die Musik nimmt Chin eine weitere Wendung, die das bloße Zitat oder die Anspielung vermeidet: Die Geste eines Komponisten geht durch das Prisma eines anderen. Das Klangergebnis der Operation ist faszinierend: Akkordfolgen von Anton Bruckner in der Art von Webern oder Brahms-Harmonik über Charles Ives.

Die besondere gestische Modulation wird durch den persönlichen Ton des Komponisten bestimmt und verleiht dem Werk Organizität. Drukers Ansatz befürwortete bei dieser Gelegenheit eher eine allgemeine Interpretation als eine detaillierte Interpretation. Möglicherweise waren weitere Tests erforderlich und andererseits die stärkere Hervorhebung der Streicher im Werk machte deutlich, dass die große Fluktuation in den Reihen der in den letzten Jahren produzierten Violinen im Orchester Mehrarbeit erfordert eine stärkere Identität in ihren Reihen zu finden.