Man Ray, ein Dichter hinter der Linse | Babelia

Im Jahr 1922, also vor etwas mehr als einem Jahrhundert, eröffnete Man Ray (Philadelphia, 1890 – Paris, 1976) sein erstes Studio in Paris. Dort, im ersten Stock eines modernistischen Gebäudes in der Rue Campagne-Première 31 bis im Herzen von Montparnasse, gelang es ihm, seine experimentelle Fotografie in die Kategorie der Kunst zu erheben. In der Zwischenzeit und parallel dazu würde er eine ganze Reihe von Charakteren porträtieren, ohne die Absicht zu haben, eine elegante Typologie zu entwickeln, die nicht nur das Who-is-Who der glorreichen Zwischenkriegszeit widerspiegelt, sondern auch das außergewöhnliche kulturelle Gefüge widerspiegelt das die Stadt an der Seine in den 1920er und 1930er Jahren erleuchtete. Es handelte sich genau um das Genre der Porträtmalerei, zusammen mit der Modefotografie (er veröffentlichte in Mode, Harper’s Bazaar Und Vanity Fair) die treibende Kraft hinter dem Ruhm des vielseitigen amerikanischen Künstlers. Er war mit dem Ziel nach Paris gekommen, Maler zu werden – ein Unterfangen, das er nie aufgegeben hatte – und entschied sich für die Kamera als Ressource, um seinen Lebensunterhalt zu verdienen. Ich würde sagen, dass ich fotografiert habe, was „ich nicht malen wollte“, und dass ich gemalt habe, was „nicht fotografiert werden kann“; Auf diese Weise gelang es ihm, die Grenzen des fotografischen Mediums zu erweitern.

Die rastlose, provokante, schelmische und auch etwas widersprüchliche Persönlichkeit von Emmanuel Rudnitzky (der im Alter von 15 Jahren den Namen Man Ray annahm, als seine Familie russischer und jüdischer Herkunft nach New York zog) würde perfekt zum Dada-Geist und zum Surrealismus passen , einer der wenigen Fotografen, die mit beiden Bewegungen verbunden sind. Daher anlässlich des 100-jährigen Jubiläums der Erstes surrealistisches Manifestdie Schweizer Institution, Photo Elysée-Ausstellung Man Ray. Befreiende Fotografie. Eine Reise durch das kreative Schaffen einer der bedeutendsten Persönlichkeiten der Kunst des letzten 20. Jahrhunderts, deren Werk immer länger wird, mit Schwerpunkt auf den 1920er und 1930er Jahren. Jahrzehnte, in denen der Künstler die Fotografie neu erfand und neue Wege eröffnete und dabei eine Schlüsselrolle bei der Präsentation des fotografischen Mediums als avantgardistisches Vehikel des kreativen Ausdrucks spielte.

Die Ausstellung stammt aus Mitteln einer Privatsammlung: der des Japaners Tametaka Morinaga, der jahrelang Werke von Man Ray sammelte mit dem Traum, ihm eines Tages ein Museum widmen zu können. Ein Wunsch, der nicht erfüllt werden konnte. „Ich würde sagen, es ist die umfangreichste Sammlung in Privatbesitz“, sagt Nathalie Herschdorfer, Kuratorin der Ausstellung und Direktorin des Museums, während eines Telefongesprächs. Herschdorfer stellte die Bilder in diesen Beständen den im Centre Pompidou aufbewahrten Bildern gegenüber (ca. 12.000 Negative, die die produktive Natur des Autors widerspiegeln). „Es war interessant, die Posenvarianten derselben Sitzung zu sehen“, betont der Kurator. „Es ist bekannt, dass Man Ray seine Bilder häufig beschnitten hat, wodurch ein Ergebnis erzielt wurde, das weit vom bestehenden Negativ entfernt war. Bei seiner Arbeit verfolgte er einen interventionistischen Ansatz und achtete genau auf das Endergebnis. In der Ausstellung zeigen wir Werke, die der Autor in den 1920er Jahren gedruckt hatte, die er jedoch Jahrzehnte später erneut druckte und dabei den Schnitt änderte. Ein Beispiel wäre Nackt von hinten (solarisiert) (ca. 1930), von dem wir eine Kopie beilegen Jahrgang von einer anderen bekannteren Version mit einem anderen Rahmen. In gewisser Weise handelt es sich also um unterschiedliche Werke.“

„Im Allgemeinen sind seine Porträts recht klassisch und weisen in Bezug auf Licht, Schatten und Komposition Bezüge zu den großen Malern der Geschichte wie Rembrandt oder Vermeer auf“, sagt Herschdorfer. Allerdings distanzierte ihn seine Neigung zu spielen und seine Modelle in Rollen zu versetzen, um Emotionen zu suchen, mit Rahmungen und verschiedenen experimentellen Techniken zu experimentieren, von rein beschreibenden Bereichen. „Früher war er viel kreativer, wenn es darum ging, diejenigen zu fotografieren, die er als seine Musen betrachtete: Kiki de Montparnasse, Lee Miller, Meret Oppenheim (selbst Künstler) und die weniger bekannte Adrienne Fidelin“, betont der Kurator. „Sie nutzte ihren Körper auf die gleiche Weise, wie surrealistische Maler weibliche Körper als Sexualobjekte betrachteten, aber ich würde sagen, dass diese Frauen sehr aktiv waren und dass nicht nur der Fotograf die Entscheidungen traf.“ Wichtig ist, dass sie eine aktive Rolle in diesem Prozess spielten. Es war eine Zusammenarbeit. Sie intervenierten über das Posieren und den Wunsch, fotografiert zu werden, hinaus. „Ich denke, sie hatten großen Einfluss auf ihn und seine Arbeit.“

In der Ausstellung sind mehrere Selbstporträts zu sehen, beispielsweise dasjenige, das an dem Tag aufgenommen wurde, als Lee Miller ihn mit einer Waffe in der Hand und einem Seil um den Hals zurückließ. „Seit er in Paris ankam und von seinen Freunden, darunter Jean Cocteau, mit verschiedenen Persönlichkeiten der französischen Gesellschaft bekannt gemacht wurde, verstand er, wie wichtig Eigenwerbung ist“, warnt der Kurator. „In diesem Sinne spielte er mit seiner eigenen Figur, um Teil der Gruppe zu sein, die er fotografierte. Er war weder schüchtern noch ruhig. Ich war dort, wo ich sein musste. Und er wollte als Künstler und nicht als Fotograf anerkannt werden, das scheiterte für ihn.“ „Es war seine Leistung, die Kamera so zu behandeln, wie er den Pinsel behandelte, als bloßes Instrument im Dienste des Geistes“, sagte Marcel Duchamp über Man Ray. Es waren die Möglichkeiten, die die Fotografie als konzeptionelles Werkzeug bot, die den Künstler wirklich interessierten.

In der Dunkelkammer verwandelte er, abgesehen von der Kamera, das fotografische Medium in ein kraftvolles Werkzeug des künstlerischen Ausdrucks. So begann er kurz nach seiner Ankunft in Paris mit der Erstellung von Fotogrammen, einer Technik, die seit den Anfängen des Mediums – und auch von Moholy-Nagy und Christian Schad – praktiziert wurde, um mit dem Aufruf noch einmal seine Fähigkeit zur Eigenwerbung unter Beweis zu stellen Rayogramme (Ray, wie sein eigener Name). Ebenso nutzte er die Solarisation (zufällig von Lee Miller wiederentdeckt, als er als sein Assistent arbeitete). Man Ray wandte diese Techniken auf eine andere Art und Weise an als bis dahin, im Rahmen radikal neuer Ansätze, die er in den Bereichen Porträtmalerei, Werbung und Mode einführte.

Sein experimenteller Drang wird ihn zum Kino führen, wo der Autor seiner surrealistischen Ader mehr freien Lauf lassen wird als in seinem fotografischen Werk. Filmin bietet in diesen Tagen die Möglichkeit zu sehen Man Ray, die Rückkehr zur Vernunft(2023), eine Anthologie bestehend aus vier restaurierten Filmen: Ich komme auf den Grund zurück (1923), Emak Bakia (1926), L’étoile de mer (1928) und Les mystères du château du dé (1929), das zum ersten Mal auf den Filmfestspielen von Cannes 2023 zu sehen war, auf halbem Weg zwischen Traum und Realität, zwischen Bewusstsein und Unbewusstheit, hüllt der Autor den Betrachter in eindrucksvolle Abfolgen von Texturen und Rayogrammen, Formen und geschickt eingestreuten bewegten Lichtern; aus Nelken, Gänseblümchenfeldern oder abstrakten Formen; von rätselhaften Damen, die Autos fahren, wie in Emak Bakia (übersetzbar aus dem Baskischen als „Lass mich in Ruhe“) Untertitel: Cinépoème, und dessen Titel von der Villa stammt, die im französischen Baskenland für Dreharbeiten gemietet wurde. In L’étoile de mer wird ein Gedicht von Robert Desnos mit Kiki als Protagonistin nachstellen. Die Neuauflage der Filme enthält einen Soundtrack, der von Jim Jarmusch und Carter Logan komponiert und von ihrer Gruppe SQÜRL aufgeführt wurde.

Darf in der Ausstellung nicht fehlen Das Rätsel des Isidore Ducase (1920), in dem der Autor mit der schwer fassbaren Grenze zwischen Objekt und Bild spielt und dem französischen Dichter alias Graf de Lautréamont Tribut zollt (die wahre Identität dessen, was sich unter der mit einem Seil zusammengebundenen Militärdecke verbirgt, bleibt ein Rätsel). Man Rays Hauptaugenmerk lag auf der Erweiterung der Welt des Sichtbaren, der Erforschung der Tiefen des inneren Sehens und der Entstehung der Manifestation dessen, was nicht real ist, der Transformation der Identität von Objekten und dem Eindringen der Poesie in die Realität.

Fotografie ist keine Kunst ist der provokante Titel eines Aufsatzes, der 1937 veröffentlicht wurde, drei Jahre bevor er das besetzte Frankreich verließ, um sich in New York niederzulassen. Das Schreiben befasste sich mit der damals umstrittenen Frage, ob Fotografie als Kunst betrachtet werden sollte. „Es hat keinen Sinn herauszufinden, ob es eine Kunst ist“, sagte er. „Kunst gehört der Vergangenheit an. Wir brauchen etwas anderes. Man muss sehen, wie Licht funktioniert. Es ist das Licht, das schafft. Ich sitze vor meinem Blatt Fotopapier und denke nach.“ Diesem Artikel folgte ein weiterer, Fotografie kann Kunst sein, Darin schrieb er: „Einige der vollständigsten und befriedigendsten Kunstwerke sind entstanden, als ihre Autoren keine Ahnung hatten, dass sie ein Kunstwerk schufen, sondern sich um den Ausdruck einer Idee kümmerten.“

Man Ray. Befreiende Fotografie. Foto Elysée. Lausanne. Schweizerisch. Bis 8. Mai.

Man Ray. Befreiende Fotografie. Nathalie Herschdorfer und Wendy Grossman. Themse und Hudson. 224 Seiten. 59 Euro.

Man Ray. Die Rückkehr zur Vernunft. (2023). 1h 10m. Filmin.

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