Künstler Frank Stella, Vorreiter des Minimalismus, stirbt im Alter von 87 Jahren | Kultur

Der Maler Frank Stella, eine prominente Persönlichkeit der amerikanischen Nachkriegskunst, insbesondere mit seinen frühen minimalistischen Werken, starb Berichten zufolge an diesem Samstag in seinem Haus in New York im Alter von 87 Jahren an den Folgen eines Lymphoms. Die New York Times. Trotz der Beharrlichkeit der Kritiker weigerte sich Stella, ihre Arbeit mit dem berühmten Satz zu interpretieren: „Was du siehst, ist, was du siehst.“

Er wurde 1936 in Malden, Massachusetts, als Sohn von Frank und Constance Stella geboren, er war Gynäkologe und sie Landschaftsmalerin. Er begann seine Karriere mit nüchternen Gemälden, von denen einige wenig Farbe hatten und keinen Anspruch auf visuelle Stimulation hatten, was im Gegensatz zum abstrakten Expressionismus stand . der ganzen Zeit. Zu seinen frühen Werken gehörte eine Reihe von Gemälden, in denen er diese Technik verwendete Nadelstreifen (Großformatige Arbeiten mit feinen schwarzen Linien auf weißer Leinwand), die in der amerikanischen Kunstwelt für Aufsehen sorgten.

„Er war einer der ersten amerikanischen Künstler, die in der Abstraktion ausgebildet wurden und sich daher auf natürliche Weise und ohne traumatische Konversion darin entwickelten und Fortschritte machten“, schrieb der Kritiker Francisco Calvo Serraller 2012 in dieser Zeitung.

Bereits vor seinem 25. Lebensjahr galt Stella als einer der großen amerikanischen Künstler und seine Karriere erstreckte sich über sechs Jahrzehnte. Nach Abschluss seines Geschichtsstudiums an der Princeton University eröffnete der junge Künstler sein Atelier in Manhattan, wo er mit der Arbeit an seinen dunkel getönten Gemälden begann. „In jungen Jahren erscheint einem alles lebendig und fabelhaft“, sagte er in einem Interview mit dieser Zeitung anlässlich einer Retrospektive am IVAM in Valencia im Jahr 2012. „Das Gute an dieser Zeit ist, dass es davon eigentlich nur wenige gab.“ uns. Man konnte jeden treffen, Menschen mit gemeinsamen Interessen kamen zusammen. Die Kunstwelt war nicht sehr groß. Heute ist das ganz anders, es gibt unzählige Künstler, Galerien, Museen, Ausstellungen.“

Von schwarzen Farben bis hin zu Farbe

Danke für deine Serie Schwarze Gemäldegroßformatige Gemälde, die aus dunklen Streifen bestehen, die kaum durch Linien unbemalter Leinwand getrennt sind, erlangten Berühmtheit, indem sie sich der in den 1950er Jahren vorherrschenden Strömung des abstrakten Expressionismus widersetzten. Sie wurden als Herausforderung für den vorherrschenden Trend aufgenommen, der von Pollock oder De mit großem Gewicht vertreten wurde Koonig und waren entscheidend für die Geburt des Minimalismus.

„Obwohl Stella sich der Größe des Beitrags des abstrakten Expressionismus im Allgemeinen sehr bewusst war, verspürte sie das Bedürfnis, etwas anderes zu tun, etwas wie das, was Jasper Johns und Rauschenberg bereits unternommen hatten – die Umwandlung der Malerei in ein Objekt –, aber in einer gleichmäßigen Form.“ radikalerer Weg“, schreibt Calvo Serraller. Vier dieser Werke wurden in die mittlerweile legendäre Ausstellung von 1959 aufgenommen Sechzehn Amerikaner im MoMA in New York, einer Gruppenausstellung, bei der Stella die jüngste Teilnehmerin war, während sie gleichzeitig ihre erste Einzelausstellung in der Galerie von Leo Castelli veranstaltete.

Stella selbst war sich über seine Reaktion auf den abstrakten Expressionismus nicht im Klaren, wie er gegenüber dieser Zeitung zugab: „Ich glaube nicht, dass meine Reaktion eine Reaktion gegen den abstrakten Expressionismus war“, erklärte er. „Ich habe einfach versucht, so direkt wie möglich zu sein. Ich habe versucht, etwas zu finden, das meinem Bewusstsein näher kommt. Ohne Filter. Kein Drama oder Angst. Etwas Unmittelbares, das eine Wirkung haben würde. Und gleichzeitig wurde es zuerst verstanden. „Sofortiges visuelles Verständnis.“

Anschließend erlebte der Maler einen Sinneswandel und wandte sich in den folgenden Jahren den für sein Werk so charakteristischen farbenfrohen Werken zu, einige davon noch mit Streifen, andere mit geometrischen Figuren. In jenen Jahren die scharfe Kante (scharfkantige Farben) setzt sich durch und der Künstler überrascht die Welt mit seinen geformte Leinwände, mit dem er seine Entwürfe in skurrilen, eindrucksvollen und immer größeren Formaten zur Schau stellt. Ende der 1960er-Jahre startete er das ehrgeizige Projekt Winkelmesser, eine Reihe großer Gemälde, die aus überlappenden Halbkreisen in leuchtenden Farben bestehen. Dieser Registerwechsel markierte den Beginn einer geradezu hektischen Tätigkeit (mehr als 10.000 Werke werden ihm zugeschrieben, und er konnte an bis zu zehn Stücken gleichzeitig arbeiten). Später, ab Ende der 70er Jahre, begann der Künstler mit der Herstellung dreidimensionaler Werke: sogenannte Barockkonstruktionen, jedes Werk ist komplexer, reicher und brillanter als das vorherige.

„Da Stella immer systematisch, seriell und gewissenhaft arbeitet, ist es überraschend, wie Stella, ohne ihre puritanischen Prinzipien aufzugeben, die uns an die bereinigte Ästhetik der niederländischen Malerei von Vermeer bis Mondrian erinnern, zu dem fantastischen ultrabarocken Festival führen konnte.“ von Bildwerken, wenn man sie so nennen kann, gefrorene Pyrotechnik“, schrieb Calvo Serraller.

1961 heiratete er Barbara Rose, die später eine renommierte Kunstkritikerin wurde. Die Ehe hielt bis 1969, als sie sich scheiden ließen. In den 1970er und 1980er Jahren wandte er sich zunehmend dreidimensionalen Arbeiten zu, in denen er Aluminium und Glasfaser verarbeitete, bevor er monumentale Skulpturen für den öffentlichen Raum schuf. Das MoMA in New York bot 1970 und erneut 1987 Retrospektiven ihrer Arbeiten an. In den 1980er Jahren ließ sich Stella von Musik und Literatur leiten, beispielsweise in einer von ihr inspirierten Skulpturenserie Moby Dickmit so komplexen Formen, dass es mehr mit Architekturmodellen als mit traditionellen Skulpturen gemein hatte.

Eine große Auswahl dieser großartigen Produktion war 2016 in der Anthologieausstellung im Whitney Museum in New York zu sehen. Mit hundert vom Künstler selbst ausgewählten und nach seinen Wünschen verteilten Werken nahm die Ausstellung 560 Quadratmeter des prächtigen Gebäudes ein, das Renzo Piano am Hudson River erbaut hatte. Dort erinnerte er sich an seinen bekanntesten Gedanken: „Malerei ist nur eine ebene Fläche mit Farbe darauf.“ Und nichts weiter”.

In diesem Gespräch mit EL PAÍS dachte er darüber mit etwas Humor nach: „Die meisten Gemälde, die man heute sieht, sind das Ergebnis von Photoshop. Es ist wie Fotografie, manipulierte Fotografie. Und aus diesem Medium stammen viele Ideen für die aktuelle Malerei. Auch andere Formen wie Installationen oder Performances sind stark von der digitalen Welt beeinflusst. Es ist was es ist. „Das Malen mit Farbe auf einer Leinwand kommt nur Menschen wie mir in den Sinn, den Dinosauriern.“