Er studierte an der Graham School und am Alvin Ailey in New York und trat dem zeitgenössischen Ballett des San Martín Theaters bei, in dessen Workshops er unterrichtete, sowie an der UNA. Er hat mit verschiedenen Gruppen und unabhängigen Unternehmen zusammengearbeitet; und kreierte verschiedene Shows. Und seit 2010 leitet er Galpón FACE, einen Kulturraum für künstlerische Produktion und Forschung. Dies ist nur eine Momentaufnahme von Inés Armas, der Tänzerin, Choreografin, Lehrerin und Kulturmanagerin aus Santa Fe mit ausgeprägtem Interesse an interdisziplinären und performativen Projekten, die nach San Juan zurückkehren wird, um im Studio Uno ein Martha Graham-Technikseminar zu unterrichten (siehe). separate). Von Buenos Aires aus sprach er mit DIARIO DE CUYO.
– Wie notwendig ist es für einen Tänzer, verschiedene Techniken zu beherrschen oder zumindest zu kennen?
– Jede Technik ist ein anderes Werkzeug und für den Beruf ist es notwendig, viele Werkzeuge zu haben, denn Choreografen arbeiten nicht in einer einzigen Linie, sie sind verschmolzen, daher ist es wichtig, in Vielfalt geschult zu werden. Der Choreograf wird fragen und der Tänzer muss vorbereitet sein, und zwar nicht nur auf intellektueller Ebene, weil er verstehen kann, worum es geht, sondern auch auf körperlicher Ebene, dass die Technik durch den Körper übertragen wurde ist sehr wichtig.
– Gibt es im Land zeitgenössische Forschung, zum Beispiel auf Graham- oder Limón-Ebene? oder sind es Abteilungen von ihnen?
– Sicherlich gibt es sie, wir haben immer noch keine Namen, die Geschichte wird es zeigen; Aber es gibt einen Satz von Martha Graham, den ich wirklich mag: „Nichts beginnt oder endet, es geht nur weiter“; Kultur ist so. Die Übernahme von Elementen aus anderen Techniken, Ailey, Limón, sogar aus urbanen Tänzen, Breaking, Locking, die auf der Straße entwickelt wurden und heute auf die Bühne gebracht werden, ist ein Trend. Tanz ist eine Sprache im permanenten Wandel, in Bewegung, weshalb viele Choreografen diese Überschneidungen auch mit Folklore untersuchen. Ich hoffe, dass einige über unser Argentinien hinausgehen, wo es so viele gute Choreographen und Tänzer gibt.
– Diese für die Gegenwart so typische Freiheit wurde nicht selten von den Orthodoxsten oder Puristen kritisiert …
– Es kommt vor, dass es immer Menschen gibt, die bewahren wollen, was war, und das ist auch sehr gut. Was passiert, ist, dass es unmöglich ist, sich nicht zu verändern, denn Zeiten und Bedürfnisse ändern sich, Körper ändern sich, die Art und Weise, sich zu praktizieren, ändert sich; und es ist nicht so, dass es besser oder schlechter ist. Es ist gesund, denn es geht um lebendige Künste, um Bewegung. Graham selbst verkörperte es damals, sie wollte die Technik nicht schreiben, nicht kodifizieren, weil sie es immer als Open-Source-System betrachtete …
– Unter diesen Prämissen scheint es, dass der Versuch, es zu akademisieren – es gab Versuche – eine unmögliche Mission sein wird…
– Die Akademie ist immer da und ist wertvoll, um Wissen zu speichern und zu archivieren, aber es gibt auch die Aufwallung von Leben und Kunst, die reine Transformation ist. Wir müssen nicht denken, dass es sich um Gegensätze handelt, sondern um zwei Linien, in denen sich Kultur entwickelt. Ich halte es für sehr wichtig, dass wir als Künstler jeweils mit einem Bein dabei sind, akademischisieren und gleichzeitig innovativ sind, forschen, transformieren. Ich spreche viel über das Erforschen, dass jeder Schüler mit seinem eigenen Körper erforscht und nicht wiederholt, was ihm gegeben wird.
– Klar ist, dass zeitgenössischer Tanz kein Nebentanz ist … Ist das so klar?
– Natürlich ist kein Tanz mehr wert als ein anderer. Diese Werturteile sind nutzlos. Genauer gesagt, mit einer großartigen Tanzintellektuellen, Susana Tambutti, die das UNA Research Institute leitet, präsentieren wir im CCK eine visuelle Arbeit – Names that dance –. Auf einem riesigen Wandgemälde sind mehr als dreitausend Namen argentinischer Tänzer, Choreografen und Lehrer des 20. Jahrhunderts zu sehen, darunter ein Tänzer aus Colón, einer aus Maipo und ein weiterer, der Folklore tanzte. Alle Tänze tragen in gleicher Weise zur Kultur bei. Dem einen mehr Wert als dem anderen zu geben, scheint mir, wenn man so will, eine elitäre Vision zu sein.
– Und was die Öffentlichkeit betrifft, wie notwendig ist es, dass sie bei der Betrachtung eines Werkes auch mit bestimmten Informationen umgeht?
– Ich finde es interessant, wenn das Publikum, das gerne beim Tanzen zuschaut, anfängt, einfach mehr zu wissen, einen etwas tieferen Blick darauf zu werfen, denn wenn man versteht, sieht man alles interessanter. Um Graham zu sehen, ist es zum Beispiel gut, ein wenig über die Geschichte dieser Tänzerin zu wissen, die aufgrund ihres Körpertyps in der Ballettwelt eher abgelehnt wurde. Sie hatte kurze Beine und einen sehr langen Oberkörper, was für eine klassische Tänzerin, bei der ihre Beine viel stärker hervorstechen, nicht ideal ist. Dann begann sie, mit ziemlicher Frustration, mehr aus ihrer Realität heraus zu entwickeln, die Bewegung des Rumpfes, verbunden mit dem primären Akt des Atmens; und dann zur Kontraktion, die mit Geburt und Leben zu tun hat. Er hat aus einer „Beschränkung“ eine Entwicklung gemacht, und das ist sehr wichtig; und für die damalige Zeit war es ziemlich revolutionär. Wenn der Betrachter mehr verinnerlicht wird, wird er mehr Freude daran haben, es ist so, als würde man dem Erlebnis, ein Werk anzusehen, mehrere Ebenen hinzufügen.
Tatsache
Graham-Technik-Seminar mit Inés Armas. 28. und 29. Juni, Anfänger, Mittelstufe und Fortgeschrittene. Studio Uno. Berichte und Anmeldungen unter 4320776.
