Suzanne Valadon im MNAC: ein Epos in Montmartre

Barcelona, 23.04.2024

Suzanne Valadon (ursprünglich Marie-Clémentine) wurde 1865 in Bessines-sur-Gartempe, einer Kleinstadt in Zentralfrankreich, in eine weniger privilegierte Familie geboren und landete in ihrer Kindheit in Montmartre, als sich dieses Pariser Viertel zu einem aufstrebenden Pariser Viertel entwickelte Mekka für Künstler unterschiedlichster Herkunft, und neben der Ausübung verschiedener Berufe war er Vorbild für eine ganze Reihe von Künstlern, mit denen er daher sehr eng zusammenarbeiten sah, bevor er seine eigene Karriere als Autodidakt begann, in einem Prozess, der Unter seinen Umständen und in diesem Moment war es sehr episch.

Das ist der Titel: „Suzanne Valadon. Ein modernes Epos“ aus der Ausstellung, die das Nationale Kunstmuseum von Katalonien bis nächsten September in Zusammenarbeit mit dem Centre Pompidou-Metz und dem Musée d’Arts von Nantes unter der Leitung von Eduard Vallès, Leiter der Sammlungen des MNAC, anbietet , und Philip Dennis Cate, unabhängiger Kurator. Als Anthologie konzipiert, seine erste in Spanien, vereint es mehr als hundert Werke, darunter Ölgemälde auf Leinwand und Karton, Zeichnungen und Gravuren, Skulpturen aus Gips und Bronze sowie Dokumentationsmaterial, das uns Valadons persönliche Reise und den Kontext näher bringen soll von Paris, in dem er sich entwickelte und mit Autoren wie Matisse oder Degas und den Katalanen Casas, Rusiñol und Miquel Utrillo zusammenarbeitete; Letzterer wäre auch sein Partner und würde die Vaterschaft seines Sohnes, des späteren Malers Maurice Utrillo, übernehmen. Sie porträtierten einander bei mehreren Gelegenheiten (das vielleicht berühmteste war ein Utrillo-Plakat für das Théâtre d’Ombres Parisiennes, in dem sie auftritt), und ihre Beziehung dauerte, wenn auch stürmisch und zeitweise, etwas mehr als ein Jahrzehnt.

Er war, wie gesagt, nicht der Einzige, der sie in seine Kompositionen einbezog: Er posierte für Puvis de Chavannes, Renoir, Toulouse-Lautrec, André Utter, Steinlen oder Rusiñol, und Degas bezeichnete seine Persönlichkeit als schrecklich, was auf den starken Charakter anspielt, den sie an den Tag legen musste, um ihren Weg zu finden (fairerweise muss man sagen, dass er sie auch ermutigte, ihren eigenen Weg in der Malerei zu gehen). Sie war auch die Muse für zahlreiche Plakate wie das von Utrillo zu einer Zeit, als diese über die Mauern von Paris und Großstädten verteilt waren und zumeist Frauen zeigten, manchmal echte und manchmal stereotype. Das MNAC bewahrt viele davon in seinem Kabinett für Zeichnungen, Gravuren und Plakate auf.

Suzanne Valadon malt 1927 in ihrem Atelier ein Porträt von Marie Coca. © Album Fine Art Images

Als Chronist seines Lebens und seiner Zeit zwischen dem Ende des 19. Jahrhunderts und dem Vorfeld des Zweiten Weltkriegs näherte er sich verschiedenen Avantgarde-Bewegungen, ohne sich einer von ihnen vollständig zuzuordnen, und begann bereits während seiner Arbeit selbständig zu zeichnen und zu gravieren als Modell (seine Ölgemälde kamen später). Die meisten dieser Kompositionen entsprechen Szenen aus Toiletten und eine gewisse Intimität, die eindeutig mit denen des bereits erwähnten Degas übereinstimmt, dessen Tod im Jahr 1917 ein schwerer Schlag für sie war.

Ein ganzer Abschnitt dieser Retrospektive im Museu Nacional konzentriert sich auf ihre Selbstporträts, die üblicherweise, insbesondere im Fall von Künstlerinnen dieser Zeit, als Übung zur Selbstbestätigung interpretiert werden. Nachdem Valadon mehrfach als Model gestanden hatte, erhielt er die Gelegenheit, sich sein eigenes Bild anzueignen: Er schuf sie in Öl, Pastell und Bleistift und in einigen Fällen im Rahmen von Familiengruppenporträts. Es handelt sich nicht um sein zahlreichstes Werk, aber es ermöglicht uns, seinem Selbstverständnis von der Jugend bis ins hohe Alter näher zu kommen.

Die intimen Frauenszenen, mit denen er seine Inszenierung begonnen hatte, die an häusliche und geschlossene Schauplätze gebunden waren und in denen keine männlichen Figuren auftraten, erlangten im Laufe seiner Karriere größere Bedeutung. Er fotografierte Frauen allein oder zu zweit, in einer Atmosphäre der Ruhe und Komplizenschaft, während sie sich unterhielten oder irgendeiner Aktivität nachgingen: Dieses Genre erlaubte ihm, mit seinen Bildausschnitten und Perspektiven (letztere waren manchmal effektiv, weil sie erhöht waren) und mit seiner Farbpalette zu experimentieren ., lebendig und persönlich, aber auch schmeichelhaft von Lyrik.

Suzanne Valadon. Die Badegäste1923. Musée d’arts de Nantes.

Unter seinen Porträts, wie gesagt, sein am meisten kultiviertes Genre, obwohl er auch Stillleben oder Landschaften schuf, trafen einige seiner Partner und Familienmitglieder und andere von mehr oder weniger berühmten Persönlichkeiten, Kritikern und Sammlern in Barcelona, die er würde durch Auftrag oder Verpflichtung erstellen; Letzteres würde das berufliche und soziale Ansehen bezeugen, das Valadon erworben hatte. Obwohl wir in ihnen Merkmale zeitgenössischer Ismen finden, hatten sie auch ihre eigene Handschrift: auffällige Farben und dicke Profile.

Einer der von der Künstlerin porträtierten Personen war der Musiker Erik Satie, mit dem sie 1893 eine kurze, etwa sechs Monate dauernde Beziehung hatte; Er behielt diesen Stoff sein ganzes Leben lang und es scheint, dass er ihr, seiner einzigen bekannten Partnerin, sein berühmtes Geschenk gemacht hat Ärger. Die Person, die diesen Komponisten auch vor der Moulin de la Galette in Grautönen malte und als er noch keinen internationalen Ruhm erlangt hatte, war Ramón Casas; Dieses Gemälde wird in der Northwestern University Library aufbewahrt und zwei seiner vorbereitenden Zeichnungen befinden sich im Museum von Barcelona. Aufgrund seiner Symbolik und Qualität ist es vielleicht das beste Porträt von Satie.

Die Ausstellung endet mit seinen Akten, dem Thema, mit dem er sich in seiner Reifephase am meisten beschäftigte, was die Anzahl der Stücke und die kompositorischen Experimente (in Haltungen und Perspektiven) betrifft, die ihm dieses Thema ermöglichte. Diese Art von Bildern mehr oder weniger expliziter Sexualität war zu dieser Zeit weit verbreitet, aber ihre Schöpfer waren bekanntlich sehr selten Frauen: Die Bilder von Valadon ziehen unsere Aufmerksamkeit durch ihre Natürlichkeit und ihre Distanz zu Stereotypen auf sich, die wahrscheinlich damit verbunden sind die Tatsache, dass die Autorin selbst in ihren Anfängen in der Position ihrer Vorbilder gewesen war.

Suzanne Valadon, Das blaue Zimmer, 1923. Centre Pompidou, Musée national d'art moderne - Centre de création industrielle, Paris — Suzanne Valadon. *Das blaue Zimmer*1923. Centre Pompidou, Musée national d’art moderne – Centre de création industrielle, Paris

Wir finden seine Odalisken besonders ehrgeizig, auf Diwanen oder Sofas liegend, mit Sinnlichkeit und dekorativem Sinn, die eindeutig auf den Orientalismus und die Überschwänglichkeit einiger Gemälde von Pierre Bonnard oder Matisse verweisen. Wie in seinen Zeichnungen und Gravuren wechselte er auf der Suche nach einem Kontrast der Texturen bekleidete und nackte Figuren ab. Bemerkenswerterweise beschäftigte sich Valadon vor seiner Konsolidierung in den 1910er und 1920er Jahren nicht mit dem häufigsten Genre unter Künstlerinnen ihrer Zeit, dem Stillleben, obwohl diese regelmäßig als Hintergrund ihrer Porträts und Akte auftauchten und an die lebendige Chromatik von Stillleben erinnerten Fauvismus oder Van Gogh.

Auf jeden Fall erlangte diese Autorin zu ihren Lebzeiten Anerkennung, was unter Künstlern zu Beginn des Jahrhunderts selten vorkam, und der französische Staat erwarb ihr erstes Werk bereits 1924. Es sollte nach ihrem Tod im Jahr 1938 erfolgen (Picasso und Braque waren anwesend). bis zu seiner Beerdigung), als er bis zu seiner Genesung einige Jahrzehnte später in eine gewisse Vergessenheit geriet. Ihre sterblichen Überreste ruhen in Montmartre, dem Ort, an dem sie ihre Erfolge mit Entschlossenheit vollbrachte und der ihr auch einen Teil seiner Legende verdankt.