Alfredo Álvarez Plágaro, der Künstler aus Vitoria, der seit 30 Jahren dank seiner „gleichen Gemälde“ triumphiert

Konto Alfredo Álvarez Plágaro (Vitoria, 1960) dass die Berufung zum Künstler aus seiner Familie stammt. Sein Vater malte Bilder „aus Liebe zur Kunst“ und sein Bruder Moisés Álvarez Plágaro (1946 – 2011) war ein professioneller Maler, der 1974 mit dem VII. Großen Preis für baskische Malerei ausgezeichnet wurde, daher war der „Parfüm von Terpentin“ in seinen Gemälden weit verbreitet Haus. . Vor diesem Hintergrund schien sein Schicksal bestimmt und Álvarez Plágaro ist seit Jahrzehnten für seine Karriere bekannt „Gleiche Bilder“, einige scheinen Zwillingswerke zu sein, aber das sind sie nicht ganz. Ein Meister der Wiederholung, der zum Protagonisten monografischer Ausstellungen wie der vor einigen Monaten in wurde Galerie Naharro (Madrid). Wir haben mit ihm über seine Arbeit, seine Inspiration und seine kommenden Projekte gesprochen.

– Was waren die Haupteinflüsse auf Ihr ursprüngliches Werk, als Sie in Ihren Werken eine expressionistische Sprache verwendeten?

Mitte der 80er Jahre waren der deutsche Neoexpressionismus und die italienische Transavantgarde, die Rückkehr der Malerei, in Mode. Ich erinnere mich, dass in meiner ersten Einzelausstellung, die 1987 bei ARCO stattfand, alles voller halbfigurativer Gemälde war, gemalt in Öl mit bräunlichen Tönen aufgrund der Mischung von Komplementärfarben und einem Finger Paste. Moden haben immer Einfluss. Das Problem ist, wenn diese Moden Ihre kreative Linie verfälschen und Sie aufhören, Sie selbst zu sein.

– Was hat Sie dazu motiviert, ab den 1990er Jahren zu einem abstrakteren Ansatz zu wechseln?

Zuerst bis zu meinen Anrufen Gleiche Bilder Sie waren figurativ, dann blieben die Zeichen dieser Figuren erhalten, um sich allmählich zu einem völlig abstrakten Gemälde zu entwickeln. Es begann mir mehr Freude zu bereiten, mit Formen, Farben und Kompositionen zu spielen und mich auf die Wiederholung dessen zu konzentrieren, was außerhalb der Darstellung gemalt wurde.

Und welche Künstler haben Sie bei dieser Veränderung beeinflusst?

Um mich nicht von irgendjemandem Bestimmten beeinflussen zu lassen, versuche ich schon seit langem, mich von allen gleichzeitig beeinflussen zu lassen. Die Technik besteht darin, alles zu sehen und alles zu vergessen. Deshalb weiß ich nicht genau, wer mich beeinflusst hat, aber ich weiß, wen ich mag, hier sind einige: Rothko, Christopher Wool, Michael Borremans, Juán Uslé, Palazuelo, Philip Guston, Oscar Murillo, François Morellet, Lee Ufan, Oteiza, Richard Serra, Rachel Whiteread, Christian Marclay, Santiago Sierra, Wilfredo Pietro…

– Was bedeutet die Wiederholung von Werken in Ihrer Kunst?

Wenn nicht alles, dann fast alles. Das Spiel der Wiederholung war keine Zumutung, sondern entstand aus der evolutionären Dynamik meiner Arbeit. Deshalb war es immer ein solider Ansatz und kein vorübergehendes Spiel. Georg Baselitz sagte, dass eine „feste“ Idee im Werk eines Künstlers lange Bestand haben kann, sogar ein Leben lang. Ich denke, das ist mein Fall. Meine ersten Arbeiten als Profi ab 1985 hatten eine Komposition, die durch ein Raster bestimmt wurde, in das alle Arten von Bildern eingefügt wurden.

Das Problem (oder im Laufe der Zeit gesehen der Vorteil) besteht darin, dass jedes Gemälde aufgrund der Eisenzusammensetzung dem nächsten sehr ähnlich sah. Ende der 80er Jahre hatte ich Schwierigkeiten, die einzelnen Gemälde voneinander zu unterscheiden, aber dabei bemerkte ich, dass ich meine Persönlichkeit verlor. In einem Traum kam mir die Lösung; Was würde passieren, wenn ich in einem anderen Gemälde wiederholen würde, was ich gerade im ersten getan habe? So geht es mir Gleiche Bilder.

– Wie würden Sie den Dialog zwischen Wiederholung und Differenz in Ihren Werken erklären? Welche Beziehung haben sie?

Ich suche nie bewusst nach Unterschieden zwischen Gemälden aus derselben Serie, aber da sie „von Hand“ und mit manchmal sehr zufälligen Techniken hergestellt werden, ist eine Gleichstellung völlig unmöglich. Im Jahr 2020 ereignete sich im Zusammenhang mit diesem Dialog ein interessantes Ereignis. Da ich die ersten beiden gemacht habe Gleiche Bilder Ich hatte nie Interesse daran, andere Gemälde wie die anderen anzufertigen. So war es, bis diese „traurigen Zwanziger“ begannen.

– Das Besondere an Ihren Werken ist, dass es sich um Objektgemälde handelt. Könnten Sie es etwas erklären?

Ich mag die Materialität meiner Bilder, das Malen auf einer festen Unterlage, nicht auf einer Trage, bei der der Stoff wackelt. Mir gefällt, dass sie eine Dicke (5, 7, 14 cm) haben, die sie von der Wand abhebt und ihnen eine Einheitlichkeit als Objekte verleiht. Auf diese Weise erreiche ich in ihnen skulpturale Qualitäten, die sie verstärken.

– In welchem ​​kreativen Moment befinden Sie sich? Lebst du in ständiger Weiterentwicklung? Was kommt als nächstes?

In der Ungewissheit, wie immer, wie jeder. Schaffen bedeutet immer, sich weiterzuentwickeln, es ist unmöglich, dies nicht zu tun. Wenn man jung ist, entwickelt man sich schneller und dann langsamer. Rothko sagte, dass „der Fortschritt der Arbeit eines Malers in Richtung Klarheit und Beseitigung aller Hindernisse zwischen dem Maler und der Idee sowie zwischen der Idee und dem Betrachter gehen wird.“ Da sind wir, los geht’s.