Wie so oft bei stratosphärischen Idolen oder lang ersehnten Erlebnissen passiert es beim ersten Besuch eines idealisierten Ortes häufig, dass sich die Illusion auflöst, bis sie zu einem Schock der Realität wird. Es ist typisch für die Hauptsitze der am meisten bewunderten Unternehmen, bei denen es sich im Allgemeinen nur um graue Gebäude mit schlechtem Kaffeeautomaten handelt. Aber wenn ein Unternehmen weiß, wie man die Illusion von Anfang bis Ende aufrechterhält, auch im Kaffee, dann ist es Pixar. Die Köpfe, die Nemo und Dory, Buzz und Woody und den mürrischen Carl erschaffen haben Hoch oder die unglaubliche Familie könnte nicht in einem langweiligen Betonblock leben. In jedem Quadratzentimeter ihrer Büros in Emeryville in der San Francisco Bay Area herrscht Kreativität, die sie diese Wochen mit Postern, Zeichnungen und Figuren ihrer neuesten Kreationen schmücken: den neuen Emotionen der mit Spannung erwarteten Fortsetzung Umkehren (von innen nach außen oder, in Lateinamerika, Intensiv). Neun Jahre nachdem der erste Teil, der mit dem Oscar für den besten animierten Spielfilm ausgezeichnet wurde, im Sommer 2015 in Cannes triumphierte und 860 Millionen Dollar (rund 800 Millionen Euro) einspielte, ist der neue Teil in den US-amerikanischen Kinos und anderen Ländern angekommen Letzten Freitag (in Spanien wird es am Mittwoch, dem 19.) geschehen, mit Rileys Geist als Hintergrund und mit einem Star, der vor einem Jahrzehnt ebenso unerwartet war wie heute unbestreitbar: Angst.
Ein Teenager-Riley – voller Zahnspange, Körner und Dramen – und ihre Emotionen sind die Protagonisten der Flure und Kabinen vieler Mitarbeiter des Unternehmens, das knapp 1.200 Mitarbeiter beschäftigt (Ende Mai entließen sie 14 % der Belegschaft, etwa 175 Mitarbeiter); Disney hat 7.000 Arbeitsplätze vernichtet. Seine ständige Präsenz spiegelt gut die große Erwartung wider, die der Film innerhalb und außerhalb dieses Campus geweckt hat, wo eine große Luxo-Lampe eine malerische Ansammlung von Gebäuden aus Glas und unverputzten Ziegeln begrüßt, zwischen denen sich ein Sportplatz oder ein Schwimmbad befindet. EL PAÍS besuchte Ende März die Zentrale, um sich den Ort anzusehen und mit seinen Mitarbeitern zu plaudern: mit dem Direktor und Kopf hinter dem Original, Pete Docter; die Person, die für den zweiten verantwortlich ist, Kelsey Mann; der Produzent des letzteren, Mark Nielsen; und mit einem der wenigen Spanier, die an diesem Projekt teilgenommen haben, dem Animator Jordi Oñate Isal.
Es war Docter – einer der ersten Animatoren der Fabrik und heute einer ihrer größten Stars – der 2015 und inspiriert von seiner Tochter Elie Riley, die Protagonistin des ersten Teils, erschuf und ihre Emotionen so zum Leben erweckte, wie sie waren Selbstverwaltet im Kopf des Mädchens. Er war nicht an der Entwicklung dieses zweiten Films beteiligt, obwohl er in einem Gespräch mit der Presse im Auditorium des nach Steve Jobs benannten Hauptgebäudes behauptete, er sei „aufgeregt“ über die Kinoeinführung. Nach den „erheblichen Auswirkungen“, die das erste Kapitel hatte, war es laut Docter „an der Zeit, das nächste Kapitel zu erkunden.“ Und die Situation bietet sich dafür an: Jetzt ist Riley ein Teenager und in ihrem Kopf gibt es viel mehr als Freude, Traurigkeit, Ekel, Wut und Angst.
Vier weitere Emotionen landen wie ein Elefant im Porzellanladen und werden zu den Stars der anderthalb Stunden Filmmaterial: Neid, Scham (obwohl es auf Englisch als Peinlichkeit übersetzt werden würde), Ennui (im Original auf Französisch, ins Spanische übersetzt). wie Langeweile oder Langeweile) und vor allem Angst, der wahre Flugzeugdieb des Spielfilms und, wie die Verantwortlichen wissen, der die Memes von der Straße, aber auch den Verkauf von Produkten, von Popcornschalen in Kinos bis hin, holen wird Sweatshirts und Puppen. Die Wahl von Ansiedad – orange, mit großen Augen, nervösem Lachen und verrücktem Haar; auf Englisch synchronisiert von Maya Hawke; in Spanien von Michelle Jenner – Headliner zu sein ist nicht trivial, in einer Zeit, in der die Diskussion über psychische Gesundheit aktueller denn je ist. „Es ist großartig, dass dieser Film über Angst spricht, und wir hoffen, dass er Dinge sagt, die wirklich bedeutungsvoll, aber auch lustig sind. „Wir sind wirklich begeistert“, geben Regisseur und Produzent zu.
In diesem neuen Leben für Riley, das fast ein Jahrzehnt brauchte, um sich zu entwickeln, gab es noch viel mehr Emotionen, bis zu zwei Dutzend, die eliminiert wurden – obwohl im endgültigen Filmmaterial immer eine Überraschung übrig bleibt, wie zum Beispiel der herausragende Auftritt von die alte und geliebte Nostalgie bis hin zur Verfeinerung der letzten Charaktere und, was ebenso wichtig ist, der Kulisse, in der sie sich bewegen. Der Regisseur sagt, dass sie für den Film von 2015 ein großes Szenario des Geistes des Mädchens erstellt hatten, dass sie davon jedoch „nur einen kleinen Teil sehen“ konnten und dass sie es nun weiter erforschen wollten. „Ich habe eine Liste aller Sequenzen erstellt, die mir gefallen haben, und derjenigen, die mir nicht so gut gefallen haben, und habe darüber nachgedacht, warum. Die Menschen, die er liebte, hatten etwas gemeinsam: Sie öffneten neue Türen zu einer Welt, die er nicht kannte. Die anderen wiederholten es einfach und kehrten zu diesen Orten zurück. Und ich wollte in neue Bereiche des Geistes vordringen, in denen ich noch nie gewesen war. Das Coolste daran, Regisseur zu sein, ist, dass ich sage: ‚Lass uns da reingehen‘ … und jemand kommt herein“, gibt er zu. Der Produzent nimmt den Faden auf: „Es gibt so viele Orte, an die man im Kopf gehen kann … Und der Film führt einen an viele Orte. Einige davon hast du schon gesehen. Es gibt noch mehr Orte, die letztendlich von diesen Emotionen erkundet werden. Zum Beispiel ist das Glaubenssystem ein weiterer wichtiger Ort, der im ersten nicht existierte, wo es in das hineingeboren wird, woran Riley glaubt und man hören kann, was in ihr steckt. „Und das verbindet sich mit der Zentrale“, fährt der Direktor fort. „Dieser kleine Aufzug im ersten Film, von dem Sie nicht wussten, dass er ein Aufzug ist? Weil wir die Idee hatten [de lo que era] nach. „Es hat viel Spaß gemacht, die beiden Filme wieder miteinander zu verbinden.“
Die Verantwortlichen des Films versichern, dass sie dabei völlige kreative Freiheit hatten. „Das Einzige, was ich von Anfang an verlangt habe, ist, dass sie es mir ermöglichen, neue Emotionen einzubringen und sie mit dem vorherigen Film zu verbinden“, sagt der Regisseur. Sie fragten ihn, woher sie kämen und wie sie sich dem vorherigen angeschlossen hätten. Und dann war ihm von Anfang an klar, dass er mit Meg LeFauve zusammenarbeiten wollte, der Drehbuchautorin des ersten und nun auch des zweiten, mit der er bereits zusammengearbeitet hatte Arlos Reiseim Jahr 2015, genau zur gleichen Zeit, als Umkehren. Gemeinsam entschieden sie, wie sie mit dem Leben dieser Emotionen umgehen und sie in das Universum der ersten fünf, die sie so sehr lieben, einführen konnten.
Jordi Oñate Isal arbeitet seit 13 Jahren als Animator bei Pixar und ist einer der wenigen Spanier im Unternehmen und von den 375 – allesamt Menschen; Hinter diesem Film steckt keine künstliche Intelligenz – sie sind seit etwa drei Jahren Teil des Projekts. Er ist derjenige, der die Charaktere gemäß den Anweisungen des Regisseurs laufen oder lachen lässt, und er erkennt, dass Ansiedad die Figur war, deren Verwirklichung am meisten gekostet hat. „Es ist eine etwas schwierige Emotion und wir mussten sie ausarbeiten. Denn was genau bedeutet Angst?“ überlegt er und zeigt die Schwierigkeit auf, in eine Person etwas zu verwandeln, das eine Emotion, eine Idee, etwas Immaterielles ist. „Wir haben dabei an die Leistung des Charakters gedacht. Es ist dasjenige, das die größte Komplexität aufwies.“ Aber es ist auch eine Herausforderung und das Interessanteste. „Es hat am meisten Spaß gemacht. Wir versuchen immer, neue Dinge zu machen, und die Charaktere, die immer lachen oder einfach umzusetzen sind, stellen für uns nicht mehr so große Herausforderungen dar, sondern sind für die Animatoren langweiliger.“
Als der Prozess fast abgeschlossen war, erklärten Mann, der Regisseur, und Nielsen, der Produzent, halb im Scherz, halb im Ernst, dass sie sich, wenn sie sich anhand einer ihrer Emotionen definieren müssten, „zwischen Freude und Angst“ befänden. Zu viel Verantwortung, zu viele Erwartungen? Sie träumen von der Idee, dass mit diesem Film, dem 28. in der fast 30-jährigen Geschichte des Unternehmens, sowohl das erwartungsvolle Publikum als auch der Animationsriese Wirklichkeit werden könnten. Es ist seine große Wette, von der es keinen Schatten gibt Barbenheimer Am Horizont soll es einer der Filme des Sommers 2024 werden: „Hoffentlich möchten wir nichts mehr, es klingt sehr gut“, heißt es gleichzeitig. „Alles, was wir kontrollieren können, ist unser Teil. Natürlich haben wir versucht, einen universellen Film zu schaffen, und hoffentlich erfüllt er alle Erwartungen.“
Erfolg, mehr als erwünscht, beginnt notwendig zu werden. Schon vor der Pandemie lief es für Pixar nicht gut. Abgesehen von Entlassungen blieben seine Filme oft unbemerkt und kamen nicht einmal in die Kinos. Spielzeuggeschichte 4im Jahr 2019, lieferte gute Ergebnisse, aber nur die meisten Fans werden sich an folgende Titel aus dem Hause erinnern: Weiter, Seele, Lucas, Netz oder sogar das unerwartet erfolglose Lichtjahr, was die 200 Millionen, die es an den weltweiten Kinokassen kostete, kaum überstieg. Einige kleine Juwelen (wie das letzte, Grundschule, für einen Oscar nominiert), viele unbemerkt. „Wir verfolgen die Geschichte von Umkehren, was mir sehr gut gefallen hat. Vor neun Jahren schockierte es die Welt und brachte die Menschen vielleicht dazu, anders zu denken“, erinnert sich Nielsen. „Und deshalb liegt eine Verantwortung darin, eine Fortsetzung zu machen.“
„Man muss etwas machen, das etwas zu erzählen hat, schön, super unterhaltsam, lustig, all die Dinge, die wir lieben und die in Pixar-Filmen vorkommen.“ Ja, aber sie haben auch eine tiefe Bedeutung, etwas, worüber die Leute reden und das sie mit nach Hause nehmen können“, argumentiert die Person, die auch das erste produziert hat. „Besonders Teenager“, schließt Mann. „Wenn ich in meinem Alter so einen Film gehabt hätte …“, sagt er und sagt auf der Pressekonferenz, dass er sich „seit seiner Jugend“ mit Angstzuständen beschäftigt habe und dass er in diesem Film versucht habe, dies umzukehren, um dies zu verhindern sie „als die Art Bösewicht, Antagonistin“ zu behandeln, mit der sie normalerweise in Verbindung gebracht wird. „Meine Angst hat mir auch geholfen, sie sagt mir: ‚Du musst vor allen auf der Bühne stehen, du musst bereit sein, sei dir sicher.‘ Wie Wut, die in kleinen Dosen hilfreich sein kann, bis sie zu weit geht und zu viel wird. „Ich wollte immer, dass es in dem Film darum geht, zu lernen, wie man mit Ängsten umgeht.“
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