Jedes Jahr am ersten Montag im Mai rollt das Metropolitan Museum of Art in New York (Met) den roten Teppich aus, um die große Modegala zu feiern, ein weltweites Ereignis, das nicht nur als Spendensammler für die Finanzierung seines Kostüminstituts dient , leitet eine der meistbesuchten Jahresausstellungen des Museums. Berühmte Leute, Berühmtheiten und eine Legion von Influencer Sie verblüffen die Kameras selbst mit einer Konzentration bekannter Gesichter aus der Mode- und Unterhaltungsbranche, die kein anderes Event – wenn überhaupt, die Hollywood-Oscars – auf der Welt zusammenbringen kann. Die Kleiderordnung ist stets thematisch orientiert, ebenso wie die Inhalte der Parallelausstellung, und das war dieses Jahr auch der Fall Der Garten der Zeit, der Titel einer Kurzgeschichte von JG Ballard aus dem Jahr 1962, in der aus dem Garten einiger Grafen geschnittene Blumen einer Meute enterbter Menschen den Niedergang ihrer Lebensweise ankündigen. Kurioses Argument für eine Gala, die für Glamour und Exklusivität steht; eine ebenso ironische wie überraschende kulturelle Dystopie inmitten dieser Meile der Eleganz, zu der das Museum an der Fifth Avenue in New York jeden ersten Montag im Mai wird.
Der Rapper Bad Bunny und die nach einem Jahr Abwesenheit zurückgekehrten Schauspieler Chris Hemsworth, Jennifer Lopez und Zendaya sowie die Alma Mater des Costume Institute und der Gala, Anna Wintour, leiteten diese Wohltätigkeitsveranstaltung am Montagabend ebenfalls gemeinsam bekannt als Met Gala, die der Abteilung die Hauptfinanzierungsquelle für Ausstellungen, Veröffentlichungen, Anschaffungen, Konservierung und Verbesserungen bietet: Bei der letztjährigen Ausschreibung wurden 22 Millionen US-Dollar gesammelt, und die diesjährige wird nicht weit dahinter liegen, da der Eintrittspreis gestiegen ist von 50.000 $ auf aktuell 75.000 $ (für einen Tisch ab 350.000 $; offizielle Preise laut Met).
Neben den oben genannten Prominenten fungierten Shou Chew, Geschäftsführer von TikTok, Hauptsponsor der Ausstellung, und Jonathan Anderson, Kreativdirektor von Loewe, ebenfalls Sponsor, als Ehrenpräsidenten. Vor einer Armee von 200 Fotografen wird die Ankunft von Prominenten auf den mit Teppich ausgelegten Stufen des Museums, die mit einem riesigen weißen Zelt bedeckt sind, zu einem globalen Laufsteg für eine ausgewählte Gästeliste, die immer bis zur letzten Minute geheim gehalten wird, in der spanischen Schauspielerin Penélope Cruz jedoch immer anwesend, trägt dieses Jahr eine trägerlose schwarze Chanel voller Spitze und Spitze. Rosalía, mit einem kurzmaschigen Schleier, entschied sich für die gleiche Farbe.
Jennifer Lopez, die seit ihrem Debüt im Jahr 1999 an mehr als einem Dutzend Galas teilgenommen hat, trug ein skulpturales Schiaparelli-Kleid: transparent und mit Edelsteinen besetzt, bestickt mit Silberperlen und mehr als zwei Millionen Perlen im gleichen Farbton. Zendaya, für viele die Königin der Nacht, trug eine Kreation von John Galliano, dem seit mehr als einem Jahrzehnt in Ungnade gefallenen Designer, dem die Veranstalter nach verschiedenen, nicht offiziell bestätigten Informationen die jährliche Ausstellung widmen wollten . Chris Hemsworth gekleidet in gebrochenem Weiß (passend zum Gold seiner Frau Elsa Pataky; beide von Tom Ford) und Bad Bunny in Schwarz, mit einem architektonischen Kopfschmuck und einem Blumenstrauß in der gleichen Farbe.
Der Rest der Gäste, ebenfalls mit reichlich lateinamerikanischer Repräsentation (Karol G, Rauw Alejandro, Shakira), verband den weiten Bogen, der von Eleganz bis Extravaganz reicht, wie Kim Kardashian, mit einem mit dem Atmen unvereinbaren Korsett; die südafrikanische Sängerin Tyla, gekleidet wie eine Sanduhr und mit viel Sand auf den Armen, und ein junger Mann im Erstkommunionkostüm mit passendem Rock, Hut und Schleier sowie einer Weidentasche in Form eines Hundes voller Nelken. Die Ankunft der Gäste wurde von umfassenden Sicherheitsmaßnahmen begleitet, wobei zusätzlich Polizei eingesetzt wurde, um den Marsch einer Gruppe pro-palästinensischer Demonstranten auf der Fifth Avenue zu stoppen.
Parallel zur Gala, dem sichtbarsten und medialsten Teil der Veranstaltung, findet die Frühjahrsausstellung statt – normalerweise gibt es eine weitere im Herbst –, ebenfalls monografisch und dieses Jahr betitelt Die Dornröschen: die Wiedergeburt der Mode, eine Art Stillleben aus 250 Kostümen und Accessoires, das mehr als zwei Jahrhunderte Geschichte abdeckt – das älteste ist ein Kleidungsstück aus dem Jahr 1740 – und das durch neue Technologien, von KI bis hin zu Videoinstallationen oder Geruchstafeln, wiederbelebt wird. Gleichzeitig ist die Ausstellung eine Metapher für die Vergänglichkeit des Lebens und der Mode und geht in diesem Jahr voll und ganz auf das Risiko der Innovation ein. Die schlafenden Schönheiten Es öffnet am 10. Mai und bleibt bis zum 2. September geöffnet.
Die Plattform TikTok sponsert die Ausstellung erneut, obwohl die Zeiten in den USA für sie nicht gut sind – ein letzte Woche verabschiedetes Gesetz gibt der Muttergesellschaft neun Monate Zeit, um die Bewerbung loszuwerden – aber aufgrund ihrer Fähigkeit zur sozialen Durchdringung ist sie ein Partner unausweichlich. „TikTok ist der Hauptsponsor unserer Ausstellung. Wir arbeiten schon lange mit ihnen zusammen. Wir glauben, dass dies eine wichtige Möglichkeit für große Unternehmen ist, die Met zu unterstützen, große Ausstellungen zum Leben zu erwecken und mit unserem Publikum in Kontakt zu treten. TikTok ist eine amerikanische Plattform, die von 170 Millionen Nutzern genutzt wird, und sie stellt eine wichtige Unterstützung für dieses Projekt dar“, erklärt Max Hollein, Direktor der Met, der sich daran erinnert, dass „sie in den Vereinigten Staaten legal betrieben wird, daher halte ich sie für eine gute Sache.“ Idee.“ Möglichkeit, sich mit der amerikanischen Kultur auseinanderzusetzen.“
Künstliche Intelligenz und digitales Bild im Dienste der Mode
Mit der Gala und der Ausstellung erreicht das Museum Millionen von Zuschauern, die sich aus den reichen Sammlungen seiner Galerien vielleicht wenig für Kunst in Großbuchstaben interessieren: junge Menschen, Influencer, Ersteller von Werbeinhalten, Verbraucher und Protagonisten sozialer Netzwerke. Wenn die Ausstellung ihnen zusätzlich zu ihrem offensichtlich viralen Aspekt ein bahnbrechendes multisensorisches Erlebnis bietet, beispielsweise durch den Einsatz neuer Technologien zur Neuinterpretation von Kostümen aus dem 19. Jahrhundert, kann die Zusammenführung der Interessen dieser neuen Besucher und des ehrwürdigen Museums entscheidend sein . „Diese Ausstellung nutzt eine ganze Reihe wichtiger, teilweise sehr neuer und experimenteller Technologien auf eine Weise, die wir noch nie zuvor praktiziert haben: Offene KI, künstliche Intelligenz, digitale Bildgebung, die es uns im Grunde ermöglichen, Objekte auf eine noch nie dagewesene Art und Weise zu zeigen.“ ihnen die künstlerische Integrität zurückzugeben, die nicht regelmäßig erlebt werden kann“, fügt der Direktor des Met hinzu. „Diese Gegenstände kann man nicht tragen, man kann sie nicht berühren, man kann sie nicht riechen, man kann sie nicht hören. All diese Defizite versuchen wir mit der Technik auszugleichen. In diesem Sinne ist die Ausstellung auch ein Experiment, das Einfluss darauf haben könnte, wie wir in Zukunft andere Teile unserer Sammlung präsentieren oder zumindest andere begleitende Erlebnisse schaffen.“
In den gewundenen Galerien, die der Ausstellung Gestalt verleihen, werden Geräusche, Gerüche und Bilder – der frenetische Flug von Schmetterlingen – auf eine Kuppel projiziert; Auf einer Tafel ist eine sich bewegende Figur nachgebildet, auf anderen Seerosen oder Meerjungfrauen – sie umgeben die Objekte, einige von ihnen, insbesondere die ältesten oder zartesten Kostüme, liegen auf dem Boden wie die präraffaelitische Ophelia inmitten eines Blumenbades: sie sind Kleidungsstücke, die aufgrund ihrer extremen Zerbrechlichkeit nicht mehr an Schaufensterpuppen zur Schau gestellt werden können. Das unverwechselbare Siegel des Dior Haus aus den fünfziger Jahren, die leicht als Kreationen der Klassiker Lanvin, Balmain oder Schiaparelli identifiziert werden können, teilen sich die Vitrinen mit Avantgarde-Wetten wie denen der immer in Erinnerung gebliebenen Alexander McQueen und Vivienne Westwood, den sehr innovativen Belgiern Raf Simons oder Dries van Noten, dem Minimalisten Issey Miyake oder den Kreationen des Briten Jonathan Anderson, Kreativdirektor von Loewe, der auch Sponsor der Ausstellung ist. In einer der letzten Vitrinen kündigt ein kurioses Muschel-Minikleid, eine großbändige Fantasie mit eher unwahrscheinlichem Nutzen, den Höhepunkt der Ausstellung an: das Hochzeitskleid eines Prominenter New Yorkerin, die 1930 heiratete, als die Weltwirtschaftskrise Einzug hielt. Der Weg ist ebenso üppig wie vergänglich: Die Kleider und Accessoires scheinen zu schweben, verbunden durch den roten Faden der Natur.
Die schlafenden Schönheiten Es handelt sich um eine bahnbrechende Ausstellung, wenn man bedenkt, dass sie unbelebten Objekten Leben einhauchen soll. „Diese Objekte haben einen bestimmten Lebenszyklus. Die Aufgabe des Museums besteht grundsätzlich darin, diesen Lebenszyklus so lange wie möglich zu verlängern. Und dabei nehmen wir einige Erfahrungen des ursprünglichen Objekts mit. Dadurch wird nicht nur deren Lebensdauer verlängert, sondern es entsteht auch ein neuer Erfahrungszyklus für diese Objekte und damit auch für das Museum“, schließt Hollein.
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